I favolosi anni 80

E si riparte da qui

2011-06-24T15:24:00.007+02:00

Qualcuno di voi ricorderà forse qualche post su questo vecchio blog, nato un po' per caso, quasi cinque anni fa, tra un esame universitario e i doverosi attimi per tirare fiato.

Poi il lavoro, il poco tempo, le tante menate - banalmente: l'addio alla vita da studente - mi hanno allontanato da questo luogo irreale cui tenevo, e tanto, impedendomi di curarlo come avrei voluto, e come già avevo fatto.

Oggi, a quasi due anni dall'ultimo post ("in bagno? In caldobagnooo!") rimetto la testa fra questa pagine (letteralmente) per rendervi partecipi di una lieta novella: l'apertura del mio nuovo blog - Blog Retrò - sul sito di Vanity Fair.

Passo importante, impattante, che mi rende orgoglioso, quasi svenevolmente commosso, e più che mai bisognoso di voi.

Gli anni '80 ci saranno, infatti, assieme ai decenni passati e ai '90 successori. E con loro, sopratutto, vorrei ci fossero i vostri commenti, le nostre ciacolate, gli I Like e le cassate (perchè quel che non piace, oh, me lo dovete pur dire!).

Vi aspetto tutti, quindi, amici. Entusiasta. E si riparte da qui: http://blogretro.vanityfair.it/

Un caldo tuffo nel passato: CALDOBAGNO

2009-10-09T10:59:00.028+02:00

La Tv di oggi ci ha abituati da tempo ad esotismi massmediatici di vario formato: dai commercial delle navi da crociera ai setting dei serial statunitensi ricostruiti su isole deserte, passando per i reality show made in Honduras.

Ma sono da collocare alla fine degli anni 80 quelli che possono forse essere considerati gli albori di tutti i vagheggiamenti caraibico-tubocatoidei e degli esterofili capricci televisivi: nel 1988, infatti, la De Longhi realizza un famossissimo spot pubblicitario dal sapore tutto tropicale per la promozione di “Caldobagno”, un mini thermo elettrico concepito per il riscaldamento prontouso della toilette di casa, divenuto ben presto emblematico del periodo.

Le immagini di questa pubblicità, andata in onda con apprezzabili consensi di pubblico fino al 1994, mostravano, con una semplicità oltremodo stereotipata, un momento quotidiano (il risveglio) della giornata classica di un’altrettanto convenzionalissima coppia italiana composta da un marito goffo e fuori forma accanto a una moglie pimpante e ben tenuta.

Balzato giù dal letto per dirigersi prontamente verso il gabinetto, il bizzarro ometto di casa (un insolito ibrido fra Jerry Calà e Stefano Masciarelli nelle loro sembianze più anniottantesche) trova ad accoglierlo la pratica stufetta De Longhi capace di rendere l’ambiente riscaldato così confortevole da mutare la vasca da bagno in un limpidissimo fondale d’oceanica estensione.

Memorabili lo scambio di battute fra i due coniugi avidi di toilettatura («Caro, sei in bagno?» - «In bagno?!? In Caldobagnoooo!» - «In Caldobagno?!? Arrivooo!») e il tuffo carpiato di lei che anziché frantumarsi fantozzianamente l’arcata dentale rimanendo incuneata sul tappo di chiusura della vasca finisce col ritrovarsi accanto al marito, ancora in pigiama, sull’isola equatoriale in cui "il buongiorno si vede dal mattino".

Curiosità:

- Da un fermo immagine di questo spot, datato 1988 secondo le fonti non ufficiali, sulla pagina del quotidiano che il protagonista impunga durante il suo "gabinetto-villaggio vacanze" si può notare che il giornale sportivo fa riferimento all’incontro di Triestina-Milan 0-1, avvenuto un paio di anni prima durante la 2° giornata del terzo girone di Coppa Italia del 1986-'87.

- Il protagonista maschile di “Caldobagno” era già comparso, nel 1987, all’interno della pubblicità del “Crodino”: http://www.torinointernational.com/spot80/spot/terme-di-crodo-oggi-campari-crodino-1987.html

- Pare che i 7 secondi di incontaminato paesaggio vacanziero visibile alle spalle della coppia di coniugi siano stati girati alle isole Seychelle.

- Il “Caldobango” De Longhi esiste ancora oggi e continua ad essere proposto in modelli variamente accessoriati il cui prezzo oscilla in media fra i 30 e i 50 euro.

E per un "caldo tuffo" nel passato: http://www.youtube.com/watch?v=styTtqBcHPs

Un "cuore di panna" per i GELATI anni 80

2009-07-16T08:22:00.051+02:00

Un buon gelato negli anni 80? Poche monetine da cento a cinquecento lire bastavano a garantire la soddisfazione di occhi e palato nei pomeriggi di anniottantesca arsura estiva.

Varianti, forme, gusti e colori di ogni tipo per saziare e rinfrescare le gole più esigenti, insieme a cinque principali case di produzione: Motta, Algida, Eldorado, Sanson e Sammontana.

E tra i tanti gelati raffigurati sui mitici prezzari di latta esposti all’esterno di bar, ristoranti e chioschetti dell’epoca, solo l’imbarazzo della scelta: dall’intramontabile Magic Cola, il ghiacciolo all’aroma della famosa bibita gassata, al richiestissimo biscotto Camillino passando per i meno noti Trifoglio, Bananas e Mottarello, il pralinato Zaccaria ed il farcitissimo Cooky Snack, fino al più dietetico e yogurtoso Yummi, al rimirato e psichedelico Twister o alle più sobrie granite gusto Lemon & Oran Soda.

Fra i più trash e insoliti, come non ricordare gli stecchi arancioni e fuxia a forma di Pippo e Topolino, gli spassosi “Puffoghiaccioli” Sammontana, il panino-gelato formato Mazinga, l’ammiccante Pantera Rosa Motta con il sospirato bubble gum annesso nonchè i “chewingumati” di altre marche come Olipop, Gommolo e Gumm.

I più equivoci? Due su tutti: l’indimenticabile Piedone, il gelato più amato dai feticisti di ogni tempo, e il fallicissimo Calippo, di cui solo l’innocenza di un bambino poteva non rivelare la metafora decisamente poco sibillina.

Ancora in commercio, invece, il Croccante e il Cremino, i super classici e scanalati Lemonissimo e Fior di fragola, il liquirizioso Liuk e il non propriamente ipocalorico Bikini.

Ed ora, la parola ai golosi: qual era il vostro preferito? E quale vorreste poter recriminare oggi, sotto l’ombrellone di questa bruciante estate 2009?

Happy summer to all the Eighties's friends!

E il tuffo nel nostro passato (congelato) continua qui:

The king is dead: MICHAEL JACKSON

2009-07-07T14:02:00.045+02:00

Se nel mondo della pop music è esistita una stella assoluta cui gli anni 80 sono stati riconoscenti quanto a lustro, prepotenza visiva ed efficacia di penetrazione nell’immaginario collettivo, quell’astro talentuoso e senza paragoni è stato certamente il cantautore, ballerino, compositore, musicista, arrangiatore e produttore discografico statunitense Michael Jackson.

Settimogenito di una famiglia di musicisti, la sua lunga e fortunata carriera, intrapresa a soli cinque anni nel celebre quintetto Jackson Five e giunta alla svolta solista nel 1971 con il singolo Got to be there, lo ha visto consacrato, fin dai primissimi anni 80, come l'artista pop di maggior successo di sempre, in particolare grazie a “Thriller” (1982), tuttora l'album più acquistato nella storia della musica di ogni tempo.

Con oltre 750 milioni di dischi venduti e 13 Grammy Awards conquistati in pieno merito, in più di quarant'anni di consolidata carriera, “Il Re del Pop” – come i media erano soliti definirlo – ha ricevuto innumerevoli premi e riconoscimenti, tra cui quelli di “miglior artista maschile del millennio” ai World Music Awards del 2000 e di “artista del secolo” agli American Music Awards del 2002, oltre ad essere stato incluso per ben due volte nella Rock and Roll Hall of Fame.

Gli anni 80 hanno rappresentato per lui, performer di colore fattosi “schiarire” a partire dai 26 anni d’età, il più alto momento di gloria, con il suo sesto album, “Thriller”, entrato nel Guinnes dei primati forte di 28 dischi di platino e 105 milioni di copie vendute (aggiornate alla fine del 2007), alle quali si sommano oltre 4 milioni di nuove riproduzioni del disco (ridistribuito nel 2008 in occasione del suo venticinquennale) per un totale di 109 milioni di stampe (fino alla scorsa estate).

Delle nove tracce dell’album ben sette furono estratte come singoli, tra cui Billie Jean, Beat It, Human Nature e soprattutto la title track, accompagnata da un video di tredici minuti, il primo, per un artista afroamericano, ad essere trasmesso regolarmente su MTV. In quel periodo uscì anche la videocassetta The Making of Michael Jackson's "Thriller", anch’essa la più venduta nella storia della musica mondiale.

L’83 invece fu l’anno, durante l’esecuzione di Jean al concerto Motown 25: Yesterday, Today, Forever, del lancio del “moonwalk”, famoso passo di danza tipicamente jacksoniano consistente nello spostarsi all'indietro dando l'illusione di camminare in avanti, come in assenza di gravità (di qui il nome “Camminata sulla luna”). Nello stesso anno arrivarono anche un accordo pubblicitario con la Pepsi Cola e la collaborazione con l'ex Beatles Paul McCartney (con cui Jackson aveva già inciso il singolo The Girl Is Mine, da “Thriller”) per la canzone Say Say Say.

E se l’84 fu il momento di "Farewell My Summer Love", l’ultimo album con la casa discografica Motown, che tuttavia non raggiunse i consensi sperati (appena 2 milioni di copie vendute), nel 1985 Michael Jackson e Lionel Richie scrissero insieme la storica We Are the World per raccogliere fondi di beneficenza contro la fame nell'Africa Orientale: il brano, premiato con un Grammy come canzone dell'anno, risulta tutt’ora uno dei singoli più venduti di sempre, con oltre 20 milioni di copie all'attivo.

Nel 1986 fu invece la volta del cinema con l’approdo di Jackson sul grande schermo nel ruolo di attore protagonista del film in 3D "Captain EO" di George Lucas e Francis Ford Coppola. La pellicola durava appena 17 minuti ma il suo costo si aggirò tra i 17 e i 30 milioni di dollari. Gli incassi del corto furono talmente elevati da spingere la Disney ad introdurlo nei suoi parchi tematici, ospitando il film per ben nove anni consecutivi, dal 18 settembre 1986 al 7 aprile 1997.
Nove furono anche i singoli (I Just Can't Stop Loving You, Bad, The Way You Make Me Fell, Man in the Mirror, Dirty Diana, Another Part of Me, Smooth Criminal, Leave Me Alone e Liberian Girl) estratti dal nuovo album “Bad” a partire dal 28 agosto del 1987, ennesimo evento discografico sostenuto da un magnificente tour mondiale, con all’attivo oltre trenta milioni di dischi venduti (aggiornati al 2004).

Poi gli anni 90: "Dangerous" nel ’91 con oltre 32 milioni di copie distribuite; nel 1994 il matrimonio con Lisa Marie Presley, unica figlia di Elvis Presley, evento pesantemente criticato dai media, che lo bollarono subito come inverosimile trovata pubblicitaria per sviare l'attenzione dell’opinione pubblica dalle accuse di pedofilia che Jackson aveva recentemente suscitato.

Nel dicembre del 1995 il divorzio a poche settimane dalla celebrazione del rito e, nel corso dello stesso anno, la pubblicazione del doppio album HIStory: "Past, Present And Future - Book 1" che divenne il doppio album più venduto della storia della musica leggera; ll 14 novembre 1996 le nuove nozze, anch’esse conclusesi appena 3 anni più tardi, questa volta al fianco della propria ex infermiera Deborah Jeanne Rowed, dalla quale Jackson ebbe – non senza un’ulteriore, massiccia disapprovazione da parte del pubblico e della stampa - i due figli Prince Michael Joseph Jackson Jr. e Paris Katherine Jackson; infine, nel 1997, "Blood on the Dance Floor: HIStory in the Mix", un album di nuovi pezzi accompagnati dai remix di vecchie glorie, tutt’ora detentore del titolo di disco di remixaggi più venduto della storia.

Il nuovo millennio, dopo il debutto dell’album "Invincibile" al primo posto nelle classifiche di 12 paesi, si apre con Jackson protagonista di una cerimonia speciale al Madison Square Garden per i suoi trent’anni di carriera solista; nel 2003 la Sony dà alle stampe Number Ones, compilation su cd e dvd dei suoi brani più famosi il cui buon indice di gradimento è bissato tre anni dopo, nel febbraio 2006, con la pubblicazione di "Visionary - The Video Singles", contenente 20 dei suoi singoli più conosciuti.

Il 5 marzo 2009, invece, la sua ultima conferenza stampa all'arena O2 di Londra, in mezzo a oltre 2000 fan, in cui Jackson annuncia di aver programmato una decina di concerti a partire dal luglio successivo prima del suo addio definitivo alle scene.

CURIOSITA’:

- Nel 1984, prima di passare allo Shrine Auditorium di Los Angeles, in California, i capelli di Jackson presero fuoco durante uno spot per la Pepsi Light causando la perdita permanente di bulbi piliferi nella parte di cuoio capelluto sopra il suo orecchio sinistro.

- Nello stesso anno, il 14 maggio, Jackson fu invitato alla Casa Bianca e fu ringraziato dal presidente USA Ronald Reagan in persona per aver concesso l'impiego di un suo brano, Beat It, come sottofondo musicale per la promozione di uno spot antialcool.

- Agli inizi degli anni 80 lo straordinariamente popolare Michael Jackson del “moonwalk” fu declinato perfino in una serie di personaggi plastificati e videogiochi per consolle e pc.

- Nella seconda metà degli anni 80 i tabloid internazionali diffusero la notizia che Jackson dormiva in una camera iperbarica per conservarsi giovane eternamente: si scoprì solo in un secondo momento che, in verità, il cantate aveva acquistato la camera per conto di un ospedale americano che non disponeva dei fondi sufficienti per un investimento tanto esoso.

- Nello stesso periodo corse voce che Jackson avesse tentato di acquistare le ossa di Elephant Man (personaggio noto nella società britannica dell'era vittoriana a causa della sua estrema deformità corporea), gossip categoricamente smentito che valse tuttavia all’artista l’impopolare soprannome di "Wacko Jacko".

- Pare che, girando il video di Thriller, Jackson subì gravi danni alla retina oculare rischiando di perdere la vista permanentemente a causa dell’impiego prolungato delle lenti a contatto di colore giallo.

- Nel gennaio del 1993 fu per la prima volta accusato di molestie sessuali su minori: il primo a denunciarlo fu Jordan Chandler, figlio di un dentista radiato dall'albo di Beverly Hills, che raggiunse ben presto un accordo economico con l'accusato per una cifra di denaro mai dichiarata, che si aggirerebbe, secondo alcuni tabloid, attorno ai 20 milioni di dollari.

Il 25 giugno 2009 Michael Jackson è morto alla vigilia del tour mondiale già tutto esaurito che avrebbe dovuto segnare il suo grande ritorno sul palco, dopo anni di scandali giudiziari, problemi di salute e una vita personale declinante e da tempo piuttosto malevola.

La sua scomparsa, in principio attribuita a un arresto cardiaco, è stata ora ricondotta all’ipotesi più accreditata dell’abuso di farmaci.

Oggi, 7 giugno 2009, avrà luogo a Los Angeles, alle 19:00 di questa sera, nell’arena dello Staples Center, trasmessa in diretta video sulle principali televisioni americane, una cerimonia commemorativa fra migliaia di fan di ogni parte del mondo (secondo le stime delle forze dell’ordine sono previsti circa 250 mila partecipanti), innumerevoli star del pop, attori, pubbliche autorità e personaggi dello sport, oltre, naturalmente, ai famigliari del cantante.

Addio per sempre, dunque, allo stiloso Peter Pan della canzone ritmata internazionale, al nero bianco di Black or White, all’accusato infine assolto, al parodiato ballerino dei passi sulla luna.

Il Re è morto. Viva il re.

Prendila morbida: Cannelle & MOROSITAS

2009-05-22T11:02:00.028+02:00

Se c’è una cosa che gli anni 80 sono stati in grado di fare, veri e propri capiscuola di questa condotta oggi forse un po’ trascurata, è l'essere riusciti – recita lo spot – a “prenderla morbida”.

E’ su questo leitmotiv, infatti, che la sofficissima e liqueriziosa Morositas, caramella-icona bruna, appiccicoso e dolciastro simbolo dell’epoca, ha giocato il contenuto dei suoi più famosi e riecheggiati commercial, per oltre dieci anni.

Protagonista dei medesimi la modella, attrice e cantante francese Cannelle, uno dei primi fondoschiena femminili inquadrati nelle réclame televisive italiane, apripista pubblicitario ad innumerevoli altri fortunati sederi-testimonial.

Cannelle, nome d’arte di Helena Viranin, approdò nella “Milano da bere” dei primissimi anni 80 dopo un periodo in giro per l’Europa e la partecipazione a svariati spot pubblicitari (Lee Cooper, Brooklyn, Agfa, Sanyo, Aiko, Marzotto) trovando infine la notorietà presso il grande pubblico italiano nel 1986 grazie alle caramelle con le sue stesse forme e uguali colori, cui la modella imprestò un volto e un corpo da Barbie nera “svestita” in una canotta bianca loggata e un paio di short rosa-Uniposca, con il suo incedere sensuale e sculettante.

Oggi “morbida” cinquantenne, dopo la partecipazione ad alcuni telefilm e trasmissioni televisive anche nelle vesti di conduttrice, si è presto ritirata dai red carpet massmediatici per occuparsi delle sue due figlie continuando, tuttavia, a lavorare come disc-jockey in alcuni locali e curando anche un proprio blog: http://www.cannelle.it/?p=131

Curiosità:

- Nel 1993 a Cannelle fu affidata la presentazione, accanto Manuel De Peppe (meglio conosciuto come “Matt”, il batterista dei mitici “Bee Hive”), della manifestazione canora "Quelli di domani", presso il Teatro Nazionale di Milano

- Nel 1994 fu lei ad affiancare Pippo Baudo e Anna Oxa nella conduzione dell 44° Festival della canzone italiana di Sanremo: http://www.youtube.com/watch?v=updRyeThpQU&feature=related

- Nel 1995 Cannelle incise il suo primo CD, l’irrecuperabile “Dentro di me c'è tanto amore”, già preceduto dal suo primo singolo “Sentimentalmente je t'aime” prodotto da Cristiano Malgioglio per la casa editrice Ricordi.

- Face scandalo, nel febbraio dello stesso anno, una sua comparsata televisiva a “Domenica In” dove, ipnotizzata da Giucas Casella, fu sul punto di spogliarsi del tutto, prontamente riparata dalla conduttrice Mara Venier (http://archiviostorico.corriere.it/1995/febbraio/13/Mara_Venier_blocca_strip_Cannelle_co_0_9502135061.shtml)

- Sul finire del 2005 Cannelle è divenuta autrice di un libro fotografico frutto di un suo lungo viaggio in India, primo passo di un progetto concreto per l'aiuto delle popolazioni povere del subcontinente, con un occhio di riguardo ai bambini extracomunitari bisognosi di sostegno.

- Nel 2006, a seguito delle dichiarazioni rilasciate da Cristiano Malgioglio presso la stampa nazionale, Cannelle è stata coinvolta nella vicenda Vallettopoli per alcuni presunti contatti intimi con Salvo Sottile, ex portavoce di Gianfranco Fini. L'accusata, tuttavia, non ha tardato a smentire ogni illazione: «Cristiano Malgioglio si confonde con qualche altra delle sue donnine compiacenti. O forse cerca solo pubblicità. Io quel Salvo Sottile non l'ho mai conosciuto. […] Malgioglio, nell'88, dopo uno spettacolo a Benevento, organizzò una cena a casa di Mastella e mi disse che, tra una portata e l'altra, avrei dovuto far cadere una spallina. Invece non feci nulla di tutto questo. Mastella, poi, era con sua moglie e fu una serata normalissima, simpatica. Nell' 82 ebbi anche modo di frequentare Silvio Berlusconi per qualche mese. Forse avrei potuto chiedergli la luna e lui me l'avrebbe data. Ma io non l'ho fatto».

Di seguito, i video che hanno fatto la storia delle caramelle Morositas fra cui, naturalmente, il “cannelliano” spot del 1986:

http://www.youtube.com/watch?v=hoikDk9ffEM

http://www.youtube.com/watch?v=UQ7lAZIEnCU

http://it.truveo.com/Spot80-Pubblicit%C3%A0-Perfetti-Morositas-Frutta-con/id/1723160241

http://www.youtube.com/watch?v=5UHp6uYhKgM

http://www.youtube.com/watch?v=FM_qy4QkGE0

La vita è dura, prendetela morbida!

80Games: TRICKY TRAPS o TOMY WATER ?

2009-03-31T10:13:00.016+02:00

Quando a scendere in campo sono due grandi classici dei giochi manuali degli anni 80, precursori rudimentali e ingegnosi dei primi videogames portatili con schermo monocromatico a cristalli liquidi, la battaglia per il vincitore del titolo del più amato si trasforma in un vero e proprio scontro fra titani, una collisione fra diverse scuole di pensiero che non ha nulla da invidiare alla dicotomia Duran/Spandau o alla contrapposizione tutta in biondo fra Parisi e Cuccarini.

A disputarsi la qualifica per il miglior gioco meccanico di quei tempi sono infatti due punte di diamante della stessa casa di produzione (la Tomy): Tricky Traps, il giallissimo e magnetico labirinto di sfere d’acciaio in successione, e la linea dei Water Games, dispositivi acquatici a pulsante con soggetto variabile ma stesso sistema di gioco, che insieme hanno realizzato la gioia dei giovani concorrenti manualmente più capaci e disinibiti.

Congegni al limite del rudimentale, apprezzati proprio per la loro inverosimile ma intelligentissima semplicità in grado di farne tutt’ora l’oggetto del desiderio di molti collezionisti dell’epoca e degli amanti dei cimeli di settore.

Scopo di Tricky Traps è condurre la sfera magnetica dall'inizio del percorso sino alla fine, azionandone il breve e macchinoso tragitto con un pulsante rosso posizionato nella parte superiore e stabilendone la sincronia dei salti grazie alla barra bianca sulla base del gioco. Ponti levatoi, piattaforme girevoli, tubi calamitati e barre divisorie: il divertimento targato anni 80 è fatto di poche cose, ma sono quelle giuste.

E a ripercorre le orme dello svago elementare e’ anche la vivace collezione dei Tomy Water Games: inanellare i dischi colorati nel tridente di Tritone, catturare i pesci del lago premurandosi di centrare il retino, vincere una partita di calcetto subacqueo o aiutare il famosissimo Pac Man a liberarsi dai suoi nemici fantasmini, sono solo alcune delle tante avventure “sottomarine” azionabili con un semplice click del bottone rotondo.

E voi, attenti e preparatissimi lettori fra questi nostalgici cassetti di ricordi bambineschi, che ne pensate? Avete amato maggiormente gli automatismi ruotanti di Tricky Traps o vi siete accaniti per più tempo a studiare nuove tattiche di pressione in immersione? Quale di questi due evergreen d’indiscussa giocabilità continua a far pulsare la valvola anniottantesca dei vostri cuori di gameplayer un po’ cresciuti?

Genitori anni 80, GENITORI IN BLUE JEANS

2009-03-09T09:03:00.021+01:00

Fra le migliori chicche telefilmiche che gli anni 80 hanno avuto in serbo per il loro grande pubblico, una menzione speciale va alle storie di casa Seaver, con Jason, Maggie e i loro quattro figli Mike, Carol, Ben e Chrissy, amabile e stereotipata famiglia americana che tutti ricordano con il nome di “Genitori in blue jeans”.

Tra piccoli problemi di vita quotidiana conditi da un piacevole umorismo made in USA, il telefilm si dipana in 166 episodi (prodotti nell’85 ma giunti in Italia solo due anni dopo) che raccontano le vicende di papà Jason, psichiatra di professione, e sua moglie Maggie, giornalista al “Long Island Herald”, alle prese con la loro folta e chiassosa prole: il quindicenne scapestrato Mike, incontrastato idolo delle teenagers dell’epoca, la quattordicenne Carol, tanto diligente a scuola quanto timida e impacciata nella vita sociale, e Ben, il ragazzino col caschetto biondo, che vede nel fratello maggiore un esempio da imitare. A questi si aggiungerà poi, a partire dalla quarta serie, l’ultima arrivata Chrissy, che darà anch’essa il proprio contributo alla trama creando nuovi equilibri nelle vicende familiari.

L’aspetto più appassionante di questa sitcom risiede forse, oltre che nell’ironia leggera con cui sono rappresentate le giornate della famiglia Seaver, anche nella resa evolutiva che caratterizza i personaggi centrali (i tre figli maggiori), tutti interessati da una visibile crescita sul piano fisico, umano e caratteriale, tale da accompagnare e nutrire, di stagione in stagione, l’interesse degli spettatori: ed è così che, col passare degli anni, Mike diventa più assennato e responsabile, scoprendo la sua passione per la recitazione e cominciando a vivere le sue prime cotte e i corrispettivi fallimenti; Carol affronta e supera i classici problemi adolescenziali acquisendo sicurezza in se stessa e riuscendo ad essere ammessa alla prestigiosa Columbia University, mentre l’ingigantito Ben è ora pronto a ripetere le gesta del fratello più grande.

Ma che fine hanno fatto gli attori di “Genitori in blue jeans”?

- Papà Jason (Alan Thicke) dopo la chiusura del telefilm ha girato una piccola serie di film di minor successo, fra cui “Intesa fatale” (1993), “Stepmoster” (1993), “Protocollo Windsor” ( 1996) e “Costretti alla fuga” (1997).

- Mamma Maggie (Joanna Kerns) ha assunto il ruolo della moglie giornalista Maggie Malone in “Seaver”. Nella realtà, l’attrice, nata a San Francisco nel 1953, è nota anche per essere stata una ginnasta ed aver partecipato ai giochi olimpici del 1968. Finita la serie televisa, è apparsa nel 1994 nel telefilm “Chigago Hope” e in diverse pellicole come “Morte sospetta” (1997), “Nelle mani di uno sconosciuto” (1998) e “Minaccia on line” (2003)

- Lo scapestrato Mike (Kirk Cameron), diversamente dal copione cinematografico, si è sposato e ha avuto ben sei figli. Sul grande schermo ha partecipato a film come “Tale padre tale figlio” (1987) e “Doppia verità” (1989), per poi divenire produttore, regista e opinionista televisivo.

- La sorella Carol (Tracey Gold) è invece apparsa in “Il riscatto” (1992), “Una madre in prestito” (1993), “Per il bene di un figlio” (1996) e “Spara alla luna” di Alan Parker, “Wanted” (1999).

- Il piccolo Ben (Jeremy Miller) sembra non aver ancora trovato la sua occasione d’oro, apparendo unicamente in “Boston Public” nel 2001.

Curiosità:

- La sit-com segna il debutto televisivo dell'attore Leonardo DiCaprio, qui nel ruolo, per ben 23 episodi, di Luke Brower, ragazzino sbandato di cui la famiglia Seaver si prende cura.

- Fra gli attori allora agli inizi della loro carriera comparvero nella serie anche Brad Pitt, Hilary Swank, e Heather Graham, oltre a uno sconosciuto Matthew Perry, qui nei panni del fidanzato di Carol e divenuto poi famoso per il ruolo di Chandler in “Friends”.

- Nel 1988 dalla serie fu tratto uno spin-off intitolato Dieci sono pochi, che raccontava le vicende del coach Graham T. Lubbock e dei suoi dieci figli, ma la sit-com ebbe breve durata e chiuse i battenti dopo soli due anni, nel 1990.

- Alan Thicke, l'interprete di Jason Seaver, è il padre di Robin Thicke, cantante di "When I Get You Alone" (2003), versione rock di una famosa sinfonia di Beethoven.

- Nel 2000 è stato realizzato un film TV che riprende le vicende della sit-com, trasmesso per la prima volta su Italia 1 il 6 gennaio 2004.

- Nel 2004 è stato realizzato un secondo film TV mandato in onda da Rai 2 il 30 agosto 2008.

Video sigla: http://www.youtube.com/watch?v=vvzt--ZXTnI

IL RAGAZZO DI CAMPAGNA del 1984: "E vissero contadini e contenti"

2009-01-20T08:24:00.020+01:00

Interpretato brillantemente da un esilarante Renato Pozzetto quarantaquattrenne sotto la direzione della coppia di registi Castellano e Pipolo che ne hanno curato soggetto e sceneggiatura, “Il ragazzo di campagna” è un famosissimo film comico del 1984 il cui titolo riprende da vicino la morale della favola de “Il topo di campagna e il topo di città” dello scrittore greco Esopo.

La pellicola ha per protagonista Artemio (Renato Pozzetto), un contadino che vive più o meno spensieratamente nella realtà statica e anacronistica di Borgo Tre Case, piccolissimo paese (inventato) della Brianza, in provincia di Milano, abitato solo da anziani, dove l'unico passatempo è osservare il passaggio dei treni.

Artemio vive in una fredda casa di campagna insieme all'anziana e paffutissima madre (Clara Colosimo) che vorrebbe vederlo sistemato insieme a Maria Rosa (Sandra Ambrosiani), l'unica ragazza del paese da tempo innamorata di lui, seppur respinta.

Arrivato ai quarant'anni Artemio si rende conto di non avere mai realmente vissuto un’esistenza vera al di fuori dei confini del suo piccolo paese, realizzando di non voler continuare ad essere un contadino per tutta la vita.

Sull’onda del suo entusiastico spirito d’iniziativa, Artemio decide così di lasciare tutto per trasferirsi a Milano, ma appena arrivato in città un vigile urbano gli sequestra il mezzo di trasporto, un vecchio ed ingombrante trattore che intralcia il traffico di tutto il centro cittadino.

Non sapendo dove andare chiede aiuto a suo cugino Severino (Massimo Boldi), trasferitosi a Milano diversi anni prima, che gli offre ospitalità e lavoro; Artemio accetta, ignaro della vera attività di Severino, ladruncolo di bassa lega che a sua insaputa lo coinvolge in uno scippo. Resosene conto, Artemio lo abbandona dopo aver restituito la refurtiva alla sua legittima proprietaria, Angela, una bella ragazza di 26 anni, impiegata in carriera presso una grossa azienda multinazionale.

Tra i due nasce una buona amicizia e Angela procura ad Artemio una sistemazione presso un piccolissimo e costosissimo residence. L’ex contadino si dedica, nel frattempo, alla goffa ricerca di un lavoro, passando dall'assicuratore al metronotte e dall'attore di spot all'accompagnatore per non vedenti, ma sempre senza successo. Ben presto Artemio, disoccupato, squattrinato e ancora disorientato nell’insolito trambusto cittadino, si innamora di Angela perdutamente: dopo svariati e malriusciti tentativi di dichiararsi a lei, arriva a vendere perfino il proprio sangue per comperarle un anello e farle una proposta di matrimonio, da lei puntualmente rifiutata.

Disperato, Artemio tenta il suicidio gettandosi nel fiume Naviglio, ma viene salvato da un barcaiolo che gli propone di lavorare per lui, vendendo droga ai ragazzi davanti le scuole.
Artemio rifiuta indignato e nell’inveire contro la città e i suoi abitanti spuntando sulle automobili parcheggiate viene fermato dalla polizia che lo rimanda al suo paese.

Ritornato alla sua pacifica esistenza di contadino, un giorno riceve inaspettatamente la visita della bella Angela, che nel frattempo ha scoperto che lui, nonostante la sua goffaggine, è stato accettato a un colloquio di lavoro per diventare assicuratore:

divenuto per lei un "buon partito", la ragazza accetta la sua vecchia proposta di nozze, ma Artemio, conscio dei sentimenti non sinceri della ragazza, decide di sposare l'unica donna che lo abbia sempre e solo amato per quello che è, ovvero Maria Rosa (fattasi, nel frattempo, molto più carina) e di vivere con lei eternamente "contadini e contenti!"

- Citazioni: http://www.movieup.it/Frasi%20Celebri/ilragazzodicampagna.htm

- Le location del film: http://www.movieup.it/Frasi%20Celebri/ilragazzodicampagna.htm

- La sigla iniziale: http://www.youtube.com/watch?v=0vBAY-UY2t4

- La preparazione del pranzo: http://www.youtube.com/watch?v=MeermFP7o1w

Un Natale anni 80 con gli spot BISTEFANI

2008-12-23T11:12:00.029+01:00

Un assistente-pasticcere un po’ sbadato, un capo-produttore di pandori e panettoni dal dente avvelenato, un ufficio con il logo della ditta a grossi caratteri e innumerevoli dolciumi su cui disquisire: questi gli ingredienti essenziali degli spot Bistefani, commercial che negli anni 80 e primi 90 si sono guadagnati una posizione di primato indiscusso fra gli intermezzi pubblicitari del periodo delle festività natalizie.

Protagonisti della lunga serie di “battibeccanti” reclame sono i due simpaticissimi attori Renzo Rinaldi, l’ipotetico “Signor Bistefani”, perennemente votato al risparmio e smanioso di far quadrare i conti della propria azienda, e Stefano Gragnani, meglio noto nei panni del fornaio Carlo, presentatore di volta in volta delle varie novità dolciarie dello stabilimento nonché consulente buffo e fidato dello scorbutico direttore.

I personaggi dell'avido imprenditore impettito nel suo completo con striminziti occhialetti da ragioniere accanto allo smilzo e sottomesso pasticcere sempre pronto a deriderlo alle spalle rappresentano due macchiette divertenti e formidabili che hanno incarnato il leif motiv delle pubblicità Bistefani per circa vent'anni, decretandone il grande successo televisivo anche grazie al tradizionale jingle (“Babbo Natale, il più buono che c’è”) e alla storica frase di chiusura:

“MA CHI SONO IO, BABBO NATALE?”, con la barba e il cappello di Santa Claus che, sbucando dal nulla, compaiono ad adornare il signor Bistefani suo malgrado.

Curiosità:

- Dopo una collaborazione col regista Monicelli per la realizzazione del film “Il marchese del grillo” (in cui interpretava la parte di Bacco) e una comparsa nel film “Mia moglie è una strega” al fianco di Renato Pozzetto ed Eleonora Giorgi, nel 1982, un anno prima del lancio degli spot Bistefani che lo vedranno protagonista, Renzo Rinaldi (foto accanto) è impegnato nelle riprese di “Sogni mostruosamente proibiti” con Paolo Villaggio e Alessandro Haber per la regia di Neri parenti. Fra l’89 e il ’92 arrivano poi – udite udite – due pellicole firmate Tinto Brass: “Paprika”, accanto a Deborah Caprioglio e Stéphane Ferrara, e “Così fan tutte” con un’ancora scosciatissima Claudia Koll. Nato a Viareggio nel 1941, Renzo Rinaldi ci ha lasciati all'età di 63 anni spegnendosi a Roma il 20 Febbraio del 2004.

- Stefano Gragnani (foto accanto) è tutt’ora operativo nel mondo dello spettacolo, principalmente come interprete di piccoli ruoli cinematografici e televisivi. Tra le pellicole di maggior rilievo cui ha preso parte ricordiamo “Sballato, gasato, completamente fuso”, film del 1982 con Diego Abatantuono ed Edwige Fenech, e nel 2007 “Il commissario Manara” di D. Marengo e “I Borgia” di F. Sagan.

- La ditta Bistefani nasce come evoluzione dell’originario biscottificio creato da Luigi Bistefani nel 1934 divenendo, vent’anni più tardi un’industria di dolciumi fra le più celebri d'Italia, nel cui stabile duecento dipendenti sono impegnati a confezionare 200 mila quintali di articoli di pasticceria e per la prima colazione: dai Krumiri ai Baci di dama fino ai panettoni e alle colombe pasquali.

- A cinque anni dall' acquisizione della Nuova Forneria la società Bistefani, ex Sme nata dall' unione di Motta e Alemagna che aveva in corpo i marchi Buondì (la prima merendina in Italia nata negli anni 50), Ciocorì, Girella e Yoyo, l' azienda di Casale Monferrato guidata dalla famiglia Viale, apre una nuova stagione all' insegna della crescita: oggi il fatturato dell' impresa piemontese è di 84 milioni di euro ma concrete prospettive di crescita fanno ben sperare nel raggiungimento dei 200 milioni di euro nel giro di cinque o sei anni. Sulla rampa di lancio c' è proprio una nuova serie di prodotti sotto il megabrand Buondì, che la Bistefani ha recentemente rilevato. Si tratta di un progetto strategico che prevede l' estensione dell' inossidabile marchio, che una ricerca ha messo insieme ad alcuni loghi intramontabili come la Nutella e la Coca Cola. Il marchio Buondì verrà così articolato in una nuova famiglia di referenze: panini del Buondì, farciti con frutta o con gocce di cioccolato, le minifette, e poi ancora i biscotti.

- E’ attualmente in cantiere anche la produzione di una nuova campagna pubblicitaria, recuperando l' ipotesi di un possibile ritorno della celebre reclame realizzata negli anni Ottanta dallo studio Armando Testa e tanto apprezzata dal grande pubblico.

E mentre suggerisco a tutti di non perdersi, sul sito della Bistefani, la pagina con l'elenco degli spot realizzati dalla ditta e visionabili in tempo reale ( link: http://www.bistefani.it/index2.html ) pur se con qualche kilo e anno in più per potermi sedere ad incastro, come facevo allora (Natale '83), fra le casette di cartoncino e i personaggi plastici e consumati del presepe della nonna, auguro a ciascuno di voi, amici anniottantari di questo blog fatto di colori, racconti e nostalgie, di trascorrere delle feste felici accanto a chi felici sa rendervi per davvero.

Ci risentiamo tutti nell’anno nuovo per tanti altri viaggi indietro nel tempo!

Un abbraccio immenso! Buon Natale! Luca

MB: un BRIVIDO sull' ISOLA DI FUOCO

2008-12-20T10:00:00.027+01:00

"Entra nella casa degli spettri, ma attenzione al teschio che cade, mentre segui le orme fantasma devi scansare il cavaliere nella sua armatura e devi fare attenzione al pavimento non ben sicuro. Passa in silenzio vicino allo scheletro nella prigione sotterranea. Potrebbe svegliarsi in qualsiasi momento e farti ritornare di corsa al punto di partenza. Poi sali le scale che scricchiolano".

Nel 1987 la MB pubblicizzava in questo modo “Brivido”, vero e proprio cult fra i giochi da tavolo degli anni '80, a metà strada tra horror e azione.
Con il suo indimenticabile tabellone tridimensionale e il mitico teschio fluorescente che ruzzolava a terra dall’alto della torretta nera centrale, questo board game ha saputo catturare l’entusiasmo e lo stupore di tutti i ragazzini dell’epoca, essendo forse uno dei primi giochi "tridimensionali" in cui lo sviluppo della partita era condizionato fisicamente dalle particolari fattezze del tabellone.

La partita consisteva semplicemente in una gara di velocità fra i giocatori, chiamati a giungere per primi a chiudere il coperchio della bara in cima alla torre nella quale imprigionare il fantasma.

Per farlo era tuttavia necessario superare le insidie delle quattro ambientazioni ricreate sul tabellone di gioco: si partiva dall'ingresso custodito da un cavaliere munito di accetta per passare poi al salone dal "pavimento poco sicuro", proseguendo per la cupa cantina del passaggio segreto e arrivando fino alla prigione sotterranea, dove si sarebbe tenuta l'ultima sfida con il caro estinto.

La parte più divertente di ogni partita consisteva senza dubbio nel girare il ragno sulla plancia di gioco dopo aver mosso il proprio personaggio: se ad uscire era il simbolo del teschio, infatti, il giocatore di turno doveva lasciare cadere il corrispettivo plastico attraverso la bara aperta che, comunicando con ogni ambientazione del tabellone, avrebbe potuto farlo sbucare casualmente da qualsiasi parte, attivando le trappole delle varie stanze e colpendo così chiunque si trovasse sulle caselle rosse.

Curiosità:

- "Which Witch" era la versione originaria di “Brivido”, edita nel lontano 1970. A differenza del rifacimento anniottantesco, tuttavia, la sua struttura era completamente in cartone e priva della torre con le scale in plastica, ma sopratutto non aveva i preziosi particolari che brillavano al buio, vera finezza del gioco.

- La MB produsse una versione ancor più “ectoplasmica” di questo gioco con la realizzazione di “The real Ghostbusters game”, rivisitazione di “Brivido” in perfetto stile cartoon, ambientata fra la città di New York e la famosa caserma a mattoni rossi dei mitici acchiappa fantasmi!

- Di recente, un altro gioco da tavola che richiama molto da vicino l’idea iniziale di “Brivido” ha fatto la sua comparsa fra gli scaffali dei negozi di giocattoli: trattasi di “Scooby doo”, versione action game dell’omonima serie tv, che riprende in chiave moderna le dinamiche “lunaparkiane” da casa degli specchi del classico MB.

Nel panorama immenso dei giochi da tavolo prodotti negli anni '80 c’è un altro board game che merita certamente una menzione speciale: si tratta dell’Isola di fuoco, autentico trionfo scenografico grazie a una plancia di gioco in rilievo che resta tutt’oggi senza eguali.
Quattro coraggiosi esploratori sulle tracce della pietra magica custodita dal minaccioso idolo Vul-Kan, creatore di continue palle di fuoco capaci di investire l'intera isola con fiamme roventi: questo il concept essenziale intorno al quale sviluppare le partite.

Ma impossessarsi del cristallo rosso non era la sola missione: per completare il gioco bisognava infatti uscire indenni dal faccia a faccia col temuto idolo negro, glissando per giunta i molesti tentativi di appropriazione della pietra da parte degli avventurieri superstiti.

Con regole molto semplici, basate sulla meccanica primordiale del gioco dell'oca (lancio di dado e movimento a seguire), le sfide all’Isola di fuoco erano pertanto suddivise in tre fasi fondamentali: una prima fase in cui tentare di raggiungere la sommità dell’isola per recuperare la gemma preziosa; una seconda in cui imboccare una delle possibili via di fuga, quasi tutte a tiro delle varie palle di fuoco (capaci, coprendo più percorsi contemporaneamente, di far retrocedere e perdere il turno agli sventurati esploratori colpiti); e infine una terza in cui tentare gli sgambetti degli altri concorrenti che tirando il dado e pescando una carta avevano perfino la possibilità di sostituire il gioiello vero con un suo falso d’autore.

Un’oretta di divertimento garantita, dunque, fra scherzi, colpi di scena e botte di fortuna secondo la migliore tradizione dei giochi d’azione in scatola targati anni 80.

E adesso la fatidica domanda: qual'è, fra "Brivido!" e "L'isola di fuoco", il vostro gioco in scatola preferito?

HE-MAN e i dominatori dell'universo 80

2008-12-09T09:33:00.025+01:00

Tutti i figli degli anni 80, tutti quelli che, come il sottoscritto, sono nati e cresciuti nel decennio della pasta Dash e delle scatole di Lego e hanno vissuto in quel periodo la loro beata infanzia, tutti costoro ricorderanno certamente la storia (e i capelli) del leggendario He-man, l’uomo più forte dell’universo, portato alla notorietà dalla Mattel con una popolarissima linea di giocattoli e action figures cui fece seguito una serie animata prodotta dalla Filmation fra il 1983 e il 1985.

La storia è quella del principe Adam, figlio del Re Randor e della regina Marlena, annoiato perditempo palestrato dalla liscissima e bionda chioma, sempre perso fra adolescenziali passatempi e decisamente poco operativo sul campo, che è in realtà il grandioso He-Man, difensore dei segreti del castello di Grayskull e garante della pace sul pianeta Eternia, terra di magia e tecnologia.

Assieme a lui il fidato amico Cringer, un tigrnone codardo che nel corso della trasformazione di He-man assume le sembianze del potente e aggressivo Battle-Cat, suo destriero e compagno.
Al fianco del resto dei suoi amici, “i dominatori dell’universo”, He-man si spende nella lotta contro il male difendendo il pianeta dalle forze demoniache del malvagio Skeletor.

Per proteggere la sua famiglia, Adam mantiene segreta la sua doppia identità: gli unici ad esserne conoscenza sono Sorceress, la maga del castello di Grayskull che gli ha donato i poteri, Duncan (Man-at-Arms) capo delle guardie di palazzo e Orko, il piccolo prestigiatore pasticcione.

Il più grande potere di He-man è la forza fisica, ma quel che più lo distingue sono l’altruismo e il senso del giusto, rimarcato alla fine di ogni puntata da una morale che si prefigge un insegnamento pratico rivolto soprattutto ai telespettatori più piccoli.

Curiosità:

- L’originaria serie animata consta di due seguiti, entrambi prodotti dalla Mattel: il primo, nel 1990, fu “He-man, le nuove avventure”, 65 episodi di continuazione della storia del 1983 ambientata questa volta in un lontano futuro sul pianeta Primus, governato dal saggio Sebrian, con una trama e uno stile chiaramente ispirati a Guerre Stellari. La seconda, nel 2002, composta in tutto da 39 episodi che riprendono le vicende originarie dall’inizio con uno stile di personaggi ammodernato ma rimasto piuttosto fedele all’originale.

- Di questa serie animata fu prodotto anche il film, con un Dolph Lundgren nei panni di He-man e Frank Langella sotto le mentite spoglie di Skeletor, pellicola bocciata sia dalla critica che dal pubblico, oggi considerabile un B-movie.

- Il primo episodio realizzato fu "The Cosmic Comet", ma il primo ad essere trasmesso negli Usa fu invece "Diamond Ray of Disappearance". L'ultimo episodio realizzato fu "The Cold Zone", scritto da J. Michael Straczynski (famoso scrittore autore fra l'altro della serie tv Babylon 5), che però non fornisce una fine alla storia.

- L'animazione del cartone fu realizzata dalla Filmation nel suo caratteristico stile, con un abbondante uso del rotoscopi: i personaggi riproducono fedelmente le posture ed i movimenti delle persone reali, con un uso frequente di sequenze di repertorio, sicché questo cartone mostra una certa monotonia dell'animazione; inoltre lo studio creava personaggi simmetrici di modo da poterli riutilizzare semplicemente ribaltandoli e adoperava costantemente le cosiddette Stock, ossia, quelle scene che si ripetevano di tanto in tanto, magari cambiando sfondi o direzione.

- A replicare il successo di He-man presso i bambini fu poi proposto, al pubblico delle più piccole, l’alter ego femminile del già famosissimo eroe tutto muscoli e tanto cervello, alias She-ra, sua sorella gemella, approdata sul mini schermo nel 1985 con una prima serie di 65 episodi e una seconda di 28.

- Il nome di battaglia del principe Adam deriva da una vecchia espressione secondo la quale un "He-man" indica un uomo che si ritiene un vero maschio, un macho virile.

- Mentre la figura di He-man si rifà, almeno in parte, a quella di Conan il barbaro, il personaggio di Skeletor, con il viso a forma di teschio, ricorda da vicino Thulsa Doom, un avversario di Kull di Valusia nei racconti dello scrittore Robert E. Howard.

Un telescopio per bere: il BICCHIERINO ESTENSIBILE

2008-11-07T09:06:00.023+01:00

Vero e proprio culto per piccoli scout, “pic-nicchettari” all’avanguardia e appassionati di gite fuori porta, il mitico bicchiere telescopico è stato, fra i tanti feticci che gli anni 80 hanno tenuto a battesimo, uno dei più diffusi e rappresentativi dell'intero decennio.

Con il vantaggio della sua leggerezza e del poco ingombro, il bicchierino estensibile, che da chiuso aveva tutta l’aria di un disco da okey, si dimostrava praticissimo per ogni tipo di viaggio.

Il concetto era molto semplice: 4 o 5 plastici anelli concentrici che si incastravano l’uno nell’altro grazie a un secco colpo di mano per fare apparire, dal nulla, un praticissimo bicchiere di medie dimensioni, completo il più delle volte di un coperchietto con vano porta pillole.

Meno comodo e spassoso, invece, il rischio che il bicchiere si richiudesse su se stesso una volta riempito, sensazione estremamente appagante di cui solo chi è stato orgoglioso possessore di questo oggetto può farsi fregio.

Oggi il bicchiere telescopico è quasi completamente sparito dai negozi.

Ma non del tutto: in alcune botteghe di utensili per la casa, fra le chincaglierie polverose dei bazar cinesi o nei punti vendita riservati agli appassionati di trekking (per la sua versione in alluminio, nella foto sopra) è ancora possibile reperire, in un arcobaleno di colori, questo magico bicchierino a scomparsa, quintessenza di tutti i Manuali delle Giovani Marmotte, tutt’ora preziosissimo alleato nel sedare la nostra implacabile (e deliziosa) sete di anni 80.

“Sempre insieme, eternamente divisi”: LADYHAWKE

2008-10-30T10:47:00.000+01:00

Correva l'anno 1985 quando nelle sale cinematografiche di tutto il mondo veniva proiettata la Ladyhawke di Richard Donner, nuova pellicola statunitense destinata ad entrare negli annali del genere fantasy su grande schermo.

Protagonisti un giovanissimo Matthew Broderick, già arrivato al successo grazie alla parte dell’adolescente ribelle di WarGames, qui nel ruolo di Philippe Gaston; Rutger Hauer, acclamato interprete di un inquietante cyborg in Blade Runn, ora nei panni del capitano Etienne Navarre; e infine l’incantevole Elvira di Scarface, meglio conosciuta come Michelle Pfeiffer, stavolta sotto le spoglie di Isabeau d'Anjou, la giovane misteriosa intorno alla quale ruota l’intera vicenda.

La storia si svolge in piena età medievale, in un imprecisato borgo fortificato del centro Europa dove il piccolo ladro Phillipe Gaston, detto il Topo per la sua corporatura minuta, riesce a fuggire dalle prigioni del castello di Aguillon poco prima della sua esecuzione capitale.

Durante la fuga dalla città, inseguito dalle temibili guardie del Vescovo che l’aveva fatto schiavo, il giovane incontra Etienne Navarre, l’ex capitano delle pattuglie vescovili che, battendosi contro i suoi vecchi soldati, lo porta al sicuro.

Per Phillipe non sarà facile capire che il suo oscuro salvatore è in realtà vittima di una maledizione, scagliata contro di lui e la sua amata dal malvagio Vescovo della contea che, invaghitosi della giovane donna senza essere corrisposto, è ricorso alla magia per dividere la coppia. Ed è così che di giorno lei si trasforma nello splendido falco che Navarre cura e protegge con dedizione, mentre la notte lui assume le sembianze di un feroce lupo grigio, docile solo alle carezze di Isabeau.

In loro soccorso subentra ben presto anche il vecchio eremita Imperius, un tempo monaco al castello del Vescovo, ripudiato da quest’ultimo e a conoscenza del triste segreto dei due amanti, che svela a Navarre l’unica via di salvezza: i due potranno rompere il maleficio soltanto se riusciranno ad assumere le loro sembianze umane, nel medesimo istante, davanti agli occhi del Prelato. Per farlo essi dovranno tornare al castello del Vescovo nell’attesa dell’imminente arrivo di “un giorno senza la notte e una notte senza il giorno”, prefigurato in sogno dall’anziano indovino.

Una fuga, un’incontro, una storia d’amore, tutti incentrati, dunque, intorno al tentativo – sul finale appagato – di Isabella e Navarre di fare ritorno alla città di Aguillon per spezzare l'incantesimo che da tempo li tiene divisi e potersi così nuovamente ricongiungere come due amanti realizzati.

CURIOSITA’:

- La località da cui Philippe evade, nella trama originale, è L’Aquila e lo stesso Vescovo è il vescono della città, ma nel doppiaggio italiano L'Aquila è diventata Aguillon in modo da assumere dei richiami francofoni, sia per coerenza con i nomi dei protagonisti, sia probabilmente nel timore che presentando un "cattivo" identificabile come italiano il film potesse essere criticato dal nostro pubblico.

- Nonostante il richiamo, nell’edizione italiana, a un'ambientazione di tipo francese, il film è stato girato (coerentemente con la trama originale) quasi interamente in Italia, tra le province di Parma e Piacenza e all’interno del Parco Nazionale del Gran Sasso e Monti della Laga, a Campo Imperatore (in Provincia dell'Aquila). Il rifugio del monaco è la Rocca di Calascio (nella foto sopra), mentre i borghi medioevali mostrati includono le località di Torrechiara, Castell'Arquato, Soncino, Bacedasco di Vernasca. La chiesa al cui interno si svolge la scena finale è San Pietro a Tuscania.

- La colonna sonora del film è opera del compositore e orchestratore Andrew Powell. Nel 1996 ne è stata pubblicata la versione definitiva dal titolo "Ladyhawke - Original Motion Picture Soundtrack" che sostituisce la prima versione del 1985 e contiene brani inediti e non rielaborati.

- Il film ha ricevuto la nomination agli Oscar del 1986 come Miglior sonoro (Best Sound) e Miglior montaggio sonoro (Best Effects - Sound Effects Editing), senza tuttavia vincerli. Ladyhawke ha comunque portato a casa il “Saturn Award” dell'Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films per i Migliori costumi (Best Costumes) e come Migliore film fantasy (Best Fantasy Film), ricevendo inoltre le nomination come Migliore musica (Best Music) e Migliore attrice (Best Actress). Fra gli altri premi ricordiamo anche il Golden Reel Award della Motion Picture Sound Editors statunitense come Best Sound Editing - ADR e Best Sound Editing - Sound Effects.

- La spada di Navarre rappresenta un piccolo anacronismo nel film: ha una foggia successiva al XIII secolo, periodo in cui si svolge la vicenda

- L’eclissi si profila dal rosone della chiesa, mentre Navarre si batte con Marquet.

- Navarre, nella sequenza finale, entra in chiesa e ingaggia un duello con il soldato che ha preso il suo posto come Comandante delle Guardie: il combattimento è per lo più “uno ad uno”, tipico di stili come quello greco, non certo medioevale.

Nessuno per altro osa muoversi, compreso il drappello di soldati che Navarre supera prima di entrare in città, e, perfino quando il Vescovo viene ucciso, nessuno dei molti uomini di chiesa presenti muove un dito: si arriva così alla scena finale in cui Navarre solleva Isabeau tra le sue braccia sotto gli applausi di tutti. Se si dà per sconato che nessuno conosca la storia della maledizione, appare allora piuttosto irrazionale una trama in cui un uomo entra in chiesa durante la funzione, attacca le guardie, uccide il Vescovo, e per questo viene applaudito.

- Leo McKern, interprete dell’eremita Imperius, si è spento il 23 luglio del 2002, un paio di anni dopo essersi ritirato dalla scena teatrale a causa del diabete e di altri problemi di salute.

CITAZIONI:

- "Non ho visto ciò che i miei occhi hanno visto, non credo ciò che la mia mente crede, mio Dio. Queste sono cose magiche, sono cose misteriose, di cui ti prego, Signore, non rendermi partecipe."

- "È giorno vecchio mio. Lo era ieri e lo sarà domani. "

-"Signore, in verità io parlo con Dio continuamente, ma, senza offesa, non ti ha mai nominato."

- "Io credo nei miracoli, Marquet. Il mio ruolo me lo impone."

- “I migliori risultati li ho ottenuti con le bugie”

It Must Have Been... ROXETTE

2008-10-17T12:08:00.000+02:00

Più di 70 milioni di album e oltre 15 milioni di singoli venduti in tutto il mondo, senza contare il quantitativo impressionante (superiore ai 400) di dischi d’oro e di platino aggiudicati a pieno merito: è questa la storia a grandi cifre dei Roxette, duo musicale svedese che ha raggiunto completa notorietà tra la fine degli anni '80 e gli inizi degli anni '90 riuscendo a portare, primi fra tutti, la pop music europea alla conquista del mercato discografico statunitense.

La storia dei Roxette ha inizio nel 1986, quando Per Gessle, idolo del gruppo Gyllene Tider, decide di unirsi artisticamente all’amica e collega Marie Fredriksson, già affermata cantante solista, con l'idea di unire voce e chitarra realizzando melodie orecchiabili per canzoni di facile ascolto.

Il loro primo album, “Pearls of Passion”, pubblicato unicamente in Svezia, totalizza oltre 250 mila copie. Un successo preannunciato destinato a non tardare a ripresentarsi. L’anno successivo “Dance passion”, un remix di canzoni estratte da “Pearl of passion”, lancia i Roxette anche nelle discoteche, fra il pubblico notturno, lasciando tuttavia il duo ancora semi sconosciuto sul panorama artistico internazionale.

Il boom di vendite si ripete poi nel 1988 con l’uscita del secondo album, “Look sharp”, che consente ai Roxette di farsi scoprire e apprezzare al di fuori dalla madre patria, mentre “The look” e “Listen to your heart” salgono al numero uno delle classifiche USA rilanciando il loro successo in tutto il resto d’Europa.

Nel 1990 a consacrare la loro fama è l’inclusione del singolo “It must’ve been love”, riarrangiato per l’occasione, all’intero della colonna sonora del film Pretty Woman, una fra le più popolari e benamate pellicole dell’intero decennio.

Gli anni 90, periodo di intensa promozione a livello mondiale, vengono inaugurati dai Roxette con il lancio, nel 1991, del terzo album “Joyride” (più di 10 milioni di copie vendute e i primi posti garantiti in tutte le classifiche), proseguiti nel ’92 con “Tourism” (16 canzoni registrate da camere d’albergo, concerti e altre più o meno insolite location), nel ’93 con “Crash” Boom” Bang!” (confezionato sull’isola di Capri) e nel ’99 con “Have a nice day” da cui saranno estratti ben 4 singoli (“Wish I could fly”, “Stars”, “Salvation” e “Anyone”) tutti ai vertici delle classifiche, con più di 3 milioni di copie andate a ruba.

Infine gli anni 2000, accolti con l’uscita del settimo album, “Room Service” (oltre 1 milione di copie nel 2001), e la pubblicazione di ben tre Greatest Hits, rispettivamente nel 2002, nel 2003 e nel 2006: “The ballads hits” e “The pop hits”, dove un paio di nuovi pezzi si mescolano con armonico equilibrio agli indimenticabili evergreen del passato, mentre in “The ROxBox / Roxette 86-06” vengono celebrati i vent’anni esatti dalla nascita del gruppo con un’antologia di brani noti infarcita da materiale inedito.

Curiosità:

- Stando a quel che racconta una storia creata ad hoc e amplificata dai media come solo loro sanno fare, il duo Roxette sarebbe divenuto famoso negli Usa grazie a un certo Dean Cushman, studente (immaginario) di Minneapolis che, ritornato dalla Svezia negli States con la cassetta di “Look Sharp!” sarebbe riuscito a convincere la stazione radiofonica KDWB 101.3 FM a far passare più volte il pezzo garantendone – leggenda vuole – l’indiscusso successo discografico.

- Il cd “Look Sharp!” ha venduto complessivamente 8 milioni di copie ed è stato premiato come "Miglior album svedese" con il premio Rockbjornen.

- Il 9 gennaio 1993 i Roxette hanno registrato al Cirkus di Stoccolma un concerto Unplugged per MTV. Nello stesso anno il brano “Almost Unreal” è stato scelto per la colonna sonora del film Super Mario Bros.

- La cover remixata di Stars, terzo singolo estratto da “Have a nice day”, è stata utilizza per un certo periodo di tempo all’interno di uno spot pubblicitario della Vodafone.

- Dallo stesso album, l’ultimo estratto, il singolo Salvation, è stato corredato da un video clip girato in Italia tra Napoli ed Amalfi.

- A ridosso dall'uscita di “A Thing About You” per la promozione del nuovo Greatest Hits, a Marie Fredriksson è stato diagnosticato un tumore al cervello, dopo aver battuto violentemente la testa cadendo nel bagno di casa. Il tumore risulta malingo e la Fredriksson viene operata dopo quasi un mese di recupero post-trauma e sottoposta a lunghi mesi di chemioterapia e radioterapia. A causa di questa vicenda Marie ha subito alcuni danni permanenti al cervello, perdendo la capacità di leggere e contare oltre a parte della vista dall’occhio destro e della mobilità del lato destro del corpo. Nel 2003, dopo una mostra di alcuni suoi autoritratti, la grandissima Marie Fredriksonn ha pubblicato a soli 6 mesi dalla diagnosi di cancro “The Ch’ange”, suo unico album solista in inglese.

- Il 29 novembre 2005 Marie Fredriksson e Per Gessle si sono riuniti al Dorchester Hotel di Londra per la presentazione dei premi della Broadcast Music Incorporated, meglio conosciuta come BMI. Per Gessle ha ricevuto il premio per “It Must Have Been Love”, trasmessa dalle radio statunitensi più di 4 milioni di volte. “Listen To Your Heart” è invece stata premiata, grazie alla cover di D.H.T., come migliore canzone dance dell'anno.

- Negli USA, per pubblicizzare la prima stagione (2006) della serie televisiva “Ugly Betty”, la ABC ha mandato in onda degli spot promozionali usando, come sottofondo musicale, la canzone The Look.

Anni 80 SCUOLA di (in)VI(c)TA

2008-10-08T15:39:00.001+02:00

Se la più “anniottantesca” fra le tecnologie informatiche di 20 anni fa è il Commodore 64, e se fra i giocattoli di allora il cubo di Rubik risulta a furor di popolo il più rappresentativo, nel mondo della scuola e dei suoi feticci la parola d’ordine è una sola: Invicta.

Una collezione di zaini di differenti modelli e colori nata nel 1906 da un’azienda inglese produttrice di sacchi per la marina militare e divenuta poi, negli anni 80, un vero e proprio oggetto di culto per i teenager di un’intera generazione.
Con o senza dediche e scritte, spoglio o murato di pupazzi e gingilli, fluo giallo e verde con catarifrangenti o bianco a righe rosse di tela leggera, lo zaino Invicta è stato l’impareggiabile compagno di bambini e adolescenti fra i banchi di scuola, nei pulmini delle gite scolastiche, in coda ai concerti e nelle uscite con gli amici.

Gli studenti del nuovo millennio lo hanno ormai definitivamente abbandonato, ma non è così raro incontrarne qualche datato esemplare a spasso per le città estere, segnale distintivo di italianità (oltre che di fresca stagionatura), sulle spalle degli odierni trenta-quarantenni lontani da casa.

L’azienda produttrice dell’Invicta, tuttavia, non è scomparsa: la sua sede si trova a Caerano di San Marco, in provincia di Treviso, ed è stata assorbita dal gruppo Diadora che pare abbia in progetto l’apertura di un museo dedicato al mitico zainetto colorato e l’allestimento di una nuova campagna pubblicitaria per un tentativo di rilancio del brand.

Oltre allo zaino Invicta, fra gli altri grandi must dell’era scolastica dei figli del Drive In ricordiamo:

- le cartelle ispirate alle linee di giocattoli e cartoni animati dell’epoca, fra cui i più fortunati He-man, Goldrake, Barbie e Poochie.

- gli astucci a scomparti, il cui corredo era solitamente composto da una matita, una gomma, qualche penna, un righello e una mini squadra, un temperino e un set di matite colorate di quantità variabile fra i 6 e i 12 pezzi.

- i pennarelli Carioca, memorabili oltre che per le loro prestazioni anche per il rumore sibilante prodotto dallo sfregamento della punta sulla carta, e le matite colorate Giotto, così armoniose e rassicuranti nelle loro tinte pastello conservate in scala cromatica nella bucolicissima confezione col pittore.

- la Biribiro, pennone multipunta dotato di ben 10 diversi colori di scrittura, ciascuno associato a una differente profumazione.

- i quadernini mini formato, fra cui i famosi “Jeans” (fin troppo simili, a ben vedere, a confezioni di preservativi extra-large).

- i regoli colorati, semplice sussidio plastico per introdurre i bambini nel magico mondo dei numeri e del calcolo aritmetico.

- la paper mate della Replay, biro cancellabile il cui inchiostro diveniva indelebile trascorse le 24 ore, tutt’ora una fra le penne più vendute al mondo.

- la gomma bicolor Pelikan, per cancellare inchiostro (parte blu) e matita (parte rossa) da qualsiasi superficie scritta.

E ora la parola a voi: quante e quali altre cose ricordate sopra ai banchi di scuola fra l’80 e l’89?

RIMINI RIMINI e l'estate si tinge di 80

2008-07-29T18:37:00.001+02:00

Storie surreali e del tutto atipiche che si susseguono fra i locali e il lungomare di una fra le più frequentante cittadine di Romagna: questa - grosso modo - la trama di “Rimini Rimini”, uno di quei film che degli anni 80 è divenuto un'orgogliosa bandiera.
Con un cast, per l’epoca, di tutto rispetto, sul palcoscenico dell’estate ’87 sfilano i più disparati tipi da spiaggia: dall’insostituibile Jarry Calà, intento a spacciare la moglie per una prostituta cercando di convincere un ingegnere a firmare un lucroso contratto, all’affascinante Eleonora Brigliadori, che nonostante bellezza, giovinezza e disponibilità, non riesce mai a “concludere” sul serio.

E poi ancora Laura Antonelli, macellaia immusonita e circondata da una serie di odiosissimi fratelli, e Maurizio Micheli che malgrado gli sforzi non riesce a strapparle un sorriso; infine il tragicomico Paolo Villaggio nelle vesti di un pretore perbenista sedotto da una Serena Grandi in splendida forma fisica e la tresca a bordo motoscafo fra un giovane prete meglio noto come Andrea Roncato e un’avvenente suora straniera interpretata da Elvire Audray.

Un mix di affaristi senza scrupoli, prostitute improvvisate, suore adescatrici e play-boy di basso profilo che rendono esilarante e grottesca la stagione estiva in riviera di fine anni 80!

CURIOSITA’ :

- Di "Rimini Rimini" esiste una versione estesa per la televisione, detta "long version", andata in onda in due puntate fino ai primi anni novanta, per la durata di circa 3 ore e mezzo contro i 114 minuti cinematografici, in cui si ha l'aggiunta di un sesto episodio cui vi partecipa il comico "Gian" (dalla coppia comica Ric e Gian) escluso per motivi ignoti dalla versione cinematografica.

- Di questo film e’ stato girato anche un sequel, nel 1988: "Rimini Rimini - Un anno dopo", diretto da Bruno Corbucci e Giorgio Capitani.

Alcuni video da gustare pre-ombrellone:

http://www.youtube.com/watch?v=YnAb0REappE

http://it.truveo.com/dal-film-Rimini-Rimini/id/127537442

http://www.youtube.com/watch?v=WCPudfwDcmk

http://www.youtube.com/watch?v=_kPgt18-byE

E sull'onda anomala di quest'ultimo, trashissimo post, auguro a tutti voi una splendida estate 2008 nell'attesa di ritrovarvi nuovamente a settembre per altri viaggi insieme nel magico mondo dei mitici anni 80!

Anni 80 a forza 9 con LU COLOMBO e MARACAIBO

2008-07-22T08:17:00.001+02:00

Sono in tanti ad essere convinti, erroneamente, che la cantante di “Maracaibo” sia niente di meno che la mitica Raffa nazionale. Tuttavia, nonostante la vaga somiglianza dei due timbri vocali e le affinità del genere musicale ritmato e baraccone, la vera, unica, interprete di questo indimenticato motivetto estivo è una semi sconosciuta Lu Colombo, cantante attiva negli anni 80 rimasta nota unicamente per aver portato al successo questo popolarissimo brano.

Lu (Luisa) Colombo ha registrato Maracaibo nel 1980: si tratta di una ballata d’amore e d’avventura che parla di Zazà, una ballerina cubana la cui occupazione come danzatrice in un locale ("Balla al Barracuda, sì ma balla nuda, Zazà!") è in verità un modo per sviare i sospetti dalla sua reale attività (“Era una copertura, faceva traffico d’armi con cuba”). Il testo racconta della tresca sentimentale della ragazza con Fidel Castro (il cui nome è stato camuffato in "Miguel" su pressione della casa discografica), e di quanto lei amasse, a causa dei tanti impegni di lui, trascorrere il tempo con un certo Pedro in cerca di fedifraghe consolazioni; venuto a sapere del tradimento, Miguel tenta di ucciderla sparandole, ma la ragazza riesce a fuggire per mare. Una terribile tempesta tuttavia ("mare forza nove") è la causa del suo naufragio ("l'albero spezzato") e un minaccioso pescecane ("una pinna nera, nella notte scura") la ferisce azzannandola mentre tenta di salvarsi ("una zanna bianca, come la luna"). Dopo questa disastrata avventura la protagonista rinuncia al traffico d'armi e al ballo senza veli ("finito il Barracuda, finito ballar nuda") e si costruisce una seconda vita aprendo un bordello ("un gran salotto, 23 mulatte, casa di piacere per stranieri") di cui è lei la "splendida regina". Ma a causa di eccessi di una vita sregolata ("rum e cocaina") Zazà ingrassa fino a raggiungere il peso di 130 chili. La canzone si conclude dicendo che "se sarai cortese ti farà vedere nella pelle bruna, una zanna bianca, come la luna”, evidente ricordo del naufragio e dell'incontro col predatore uomo-pescecane.

Curiosità:

- La cantante pronuncia il nome della città Maracaibo con l'accento sulla "i", ma in realtà il modo corretto di pronunciarla sarebbe con l'accento sulla "a" del dittongo: Maracàibo.

- Il nastro ha spopolato fin dal suo lancio in tutte le discoteche e il suo successo continua anche oggi, a quasi 30 anni di distanza dal suo debutto discografico.

- Gli arrangiamenti di Maracaibo sono di Mario Saroglia per Music production.

- Nel 1983 Lu Colombo è entrata a far parte dell’etichetta EMI e ha scritto Dance all nite con la quale ha preso parte al Fesivalbar, vincendo poi il Disco per l’Estate in quello stesso anno. Nel 1985 una nuova partecipazione al Festivalbar, questa volta nelle vesti di ospite, e la vittoria al Festival di Saint Vincent con l’impronunciabile Rimini-Ouagadougou.

- Nel 2001 Lu ha prodotto un cd dal titolo Maracaibo 20th Anniversary per Self Distribuzione, ma la versione più popolare della canzone resta quella originaria dell’ 81.

- Al festival del cinema di Venezia 2007, Maracaibo è comparsa come parte della colonna sonora del film "Il dolce e l'amaro".

Ecco la cantante com'è oggi, insieme a Tony Hadley degli Spandau Ballet in occasione di un concerto anni 80 tenutosi a Modena l'estate scorsa:

Vietatissimo perdersi il live di Maracaibo del 2001 dalla trasmissione sugli anni 80 "La notte vola" condotta da Lorella Cuccarini: http://www.youtube.com/watch?v=hrW0FikINbQ

Anni 80 con CREAMY, Posi, Nega e Toshio

2008-07-15T14:51:00.001+02:00

L'incantevole Creamy (titolo originale: “Mahō no Tenshi Creamy Mami” – “Dolcissima Mami, l'angelo della magia” ) è una serie televisiva animata prodotta in Giappone nel 1983, parallelamente adattata in manga e trasmessa per la prima volta dalla televisione italiana il 3 febbraio 1985, alle ore 20:00, su Italia 1. La serie consta di 52 episodi (più quattro OAV – Original Anime Video ) e il suo genere di appartenenza di è quello dei così detti “maho shojo”, ossia storie aventi come protagoniste ragazzine molto giovani in grado di usare la magia per trasformarsi in adolescenti di indiscutibile carisma e risollevare le sorti del mondo a partire, guarda caso, dalla loro città d’origine (solitamente Tokyo).

Creamy Mami è, in ordine di apparizione, la seconda fra le maghette-terrestri degli anni 80 e la prima di quelle ideate dallo Studio Pierrot, uno dei più importanti studi giapponesi dediti alla produzione di serie animate fra cui, oltre a Creamy, anche Magica Emi, Fancy Lala ed E’ quasi magia Johnny.
La storia è quella di Yu, figlia di due pasticceri che gestiscono un locale di nome “Creamy”, bambina vivace e spensierata che un giorno, per caso, è spettatrice involontaria di una specie di miraggio: una scia luminosa la porta fino a un’arca di cristallo sospesa nel cielo, una nave magica detta “arca della Stella Piumata” che solo i bambini hanno il potere di vedere, nei loro sogni. Sulla barca c’è Pinopino, il folletto custode che ringrazia Yu per avergli consentito di ritrovare l’arca smarrita proprio fra i suoi sogni.

Fermamente deciso a ricompensare la bambina, egli decide di trasformarla in una persona specialissima regalandole due inseparabili amici folletti, Posi e Nega, una bacchetta magica di rito e una formula che sfiora lo scioglilingua (pampulu-pimpulu-parim-pampum) ed e’ capace di trasformarla in Creamy, misteriosa cantante dalla voce flautata con fisico da passerella. La vita di Yu comincia cosi’ a farsi piu’ appassionante: oltre a dover mantenere segreta la sua doppia identità (di cui solo i due gattini-folletti sono a conoscenza), la piccola dovrà anche fare i conti con la sua problematica cotta per Toshio, amico di cui è da tempo invaghita, ora attratto dalla sua splendida alter ego dai capelli viola.

Ma, per fortuna o purtroppo, nulla e’ per sempre, nemmeno la magia: l’incantesimo del magnanimo Pinopino è infatti desinato a durare solo un anno, dopodiché Yu perderà i suoi poteri (NB: “ma questa tua magia Yu, Creamy amica mia un anno durerà poi Creamy forse svanirà”) tornando ad essere la ragazzina di sempre.
In Giappone la serie si concluse il 29 giugno 1984, proprio lo stesso giorno in cui, nel cartone, avveniva l’addio alle scene da parte di Creamy con il suo ultimo concerto e il suo ritorno all’arca della Stella Piumata.

CURIOSITA’:

- La data di nascita di Yu è il 10 ottobre 1973, questo fa di lei una BILANCIA che quest’anno compie 38 anni!

- L’età di Creamy era invece di 16 anni mentre quella di Toshio 14.

- E’ curioso notare come i genitori delle protagoniste dello studio Pierrot siano tutti imprenditori, e precisamente: i genitori di Creamy proprietari di un negozio di crepes, quelli di Emi di un caffè, i genitori di Evelyn gestori di nn drug-store, e quelli di Sandy di un negozio di fiori.

- Nell’episodio n° 37 Creamy dichiara che i suoi piatti preferiti sono – guarda caso – le crèpes (chiamala scema) e lo sformato di formaggio: "Sono due piatti che hanno il potere di rendermi felice!"

- Sei canzoni su sette delle canzoni che canta Creamy durante le puntate della serie sono state cantate da Cristina D’Avena. In Giappone la cantante è Takako Ohta, che è anche la doppiatrice e dopo il successo della serie fu soprannominata Creamy Takako.

- Questo anime rispetto alla maggior parte degli esistenti, è stato creato prima del manga. Il manga di questa serie è solo un riassunto creato con l'intenzione di ottenere in breve lo stesso successo legato all'anime in produzione in quel periodo periodo.

Fan club: http://it.groups.yahoo.com/group/creamymamyfanclub/

BRIGITTE NIELSEN: una strega platinata

2008-07-11T12:54:00.001+02:00

Bionda, altissima, statuaria, la personificazione vivente di Barbie Danimarca: è Brigitte Nielsen, nome d’arte di Gitte Nielsen, attrice, modella, conduttrice televisiva e – per chi non lo sapesse – pure cantante, impareggiabile volto-icona del decennio a noi tanto caro, attualmente scomparsa dalle scene.

La sua carriera ha inizio verso la fine degli anni 70 quando, conseguito il diploma superiore, inizia a lavorare come modella grazie al suo fisico imponente, distribuito su un metro e ottantacinque di altezza.

Il suo aspetto ricalca perfettamente i canoni estetici tipici degli anni ottanta: una donna androgina ma sensuale, aggressiva, appariscente ed elegante al contempo; A volerla in passerella saranno in molti: da Gianni Versace a Giorgio Armani passando per Gianfranco Ferré. Nel 1983 si sposa per la prima volta: il fortunato in questione è il compositore danese Kasper Winding, dalla cui relazione nasce il primo figlio, Jullian.

In Italia Brigitte viene notata dal produttore Dino de Laurentiis che la ingaggia come protagonista accanto ad Arnold Schwarzenegger nel film epico Yado (1985). Ma è solo con la pellicola successiva che la Nielsen vede spalancarsi le porte di Hollywood, dove incontra il suo futuro secondo marito Sylvester Stallone che la vuole accanto a sé in Rocky IV e Cobra.

La coppia divorzierà nel 1987, dopo due soli anni di stallonesco matrimonio.

Nello stesso periodo Brigitte debutta in Italia accanto a Pippo Baudo e Lorella Cuccarini come conduttrice televisiva dello show di Canale 5 Festival dove si presenta anche in veste di cantante con l’ album d’esordio Everybody tells a story che riscuote un discreto successo in Austria e Germania grazie anche al fortunato singolo Body next to body (http://www.youtube.com/watch?v=-xH8Wqdb4U0), un duetto con il cantante austriaco Falco. Nel frattempo la Nielsen fa il suo ritorno sul grande schermo con Beverly Hills Cop II accanto a Eddie Murphy, film che la consacra nella parte di donna sexy e pericolosa del cinema d’azione, un ruolo che continuerà ad esserle richiesto spesso per le produzioni successive.

Nel 1988 Gitte, detta Brigitte, si fidanza con il giocatore di football americano Mark Gastineau, dal quale ha il secondo figlio, Killian. Ma anche stavolta, nel 1990, la storia finisce dopo appena due anni e la Nielsen si ridà alla musica incidendo il singolo Rockin' like a radio, pubblicizzato con un tour europeo.

Negli anni 90 prosegue la carriera cinematografica dividendosi fra film d'azione americani di scarso successo e commedie di cassetta in Italia. Poi arrivano la conduzione del Festival di Sanremo nuovamente accanto a Baudo (1992), la partecipazione a Fantaghirò 2 (http://www.youtube.com/watch?v=YWfBRoxvfss&feature=related) nelle vesti memorabili della Strega Nera e una lunga carrellata di trasmissioni e film di minor visibilità (La sai l’ultima, Un posto al sole, Paparazzi e perfino il Grande Fratello danese).

Curiosità:

- Ultimamente Brititte Nielsen ha partecipato a vari reality show in giro per il mondo: nel 2004 è stata una delle concorrenti del reality show La Talpa su Raidue, poi The Surreal Life 3 per il network statunitense VH1, Celebrity Big Brother nel Regno Unito e Strange Love per VH1; quest'ultimo vedeva le telecamere seguire lei e il rapper dei Public Enemy, Flavor Flav, coinvolti in un'improbabile storia d'amore nata sul set de The Surreal Life 3 in cui entrambi avevano partecipato e di cui questa reality sit-com è uno spin-off.

- Nel luglio 2004, con l'amico fraterno, fotografo, regista, scrittore e consulente d'immagine Daniele Cappa, ha co-prodotto un documentario shock tra le favelas de Atibaja (Brasile), per sostenere i progetti dell' Associazione Umanisti Italiani nel Mondo Onlus.

- Nel 2006 Brigitte si e’ risposata per la quinta volta con Mattia Dessì, un barista sardo di quindici anni più giovane di lei, e ha partecipato al reality show statunitense The Surreal life: Fame game

- Il 9 luglio 2007 è entrata in una clinica di riabilitazione per guarire dalle dipendenze del alcool e nel gennaio 2008 è stata fra le protagoniste di Celebrity rehab (http://www.youtube.com/watch?v=E-LkYgHhLdw), serie shock trasmessa da VH1 in America e Five in Gran Bretagna, a metà fra reality e documentario, che segue le cure di riabilitazione di diverse personalità del mondo dello spettacolo in lotta contro le loro dipendenze.

- Recentissimamente, nel giugno 2008, la Nielsen si è sottoposta ad alcuni interventi di chirurgia plastica, tra cui lifting facciale, liposuzione, riduzione del seno e denti nuovi. Il tutto filmato dalle telecamere dell'emittente tedesca RTL che dal 6 luglio 2008, per 4 speciali ne mostrerà le operazioni nel docu-reality "Aus alt mach neu: Brigitte Nielsen in der Promi-Beautyklinik".

EGOISTE, EGOISTE, EGOISTE!

2008-06-26T13:12:00.001+02:00

Ancora una chicca di fine anni 80-primissimi 90, questa volta non cinematografica ma pubblicitaria. A incantarci è infatti, oggi come allora, lo spot di un profumo: l’indimenticabile Egoiste della maison Chanel. Ironico, sensualissimo, ansiogeno, di immediato effetto. La scena si consuma fra i balconi di un palazzo da cui alcune donne si mettono a urlare istericamente lanciando teatrali invettive («La pagherai, miserabile!» – «Mi avrai nemica, giuro!»– «Io sarò implacabile!») contro un uomo il cui appartamento è collocato nella parte centrale dell'edificio.

L'uomo non si vede mai, ma compare la sua mano che appoggia sulla ringhiera la nota boccetta di profumo (mostrata nel formato Eau de toilette "a gocce", anziché nella versione spray), unico elemento colorato a contrasto col bianco e nero dello sfondo che si modifica di lì in poi in immagini a colori. Lo spot si conclude nel modo che tutti conosciamo: le bistrattate inquiline del palazzo, all'unisono, gridano più volte "Egoiste!" al misterioso spaccacuori, aprendo e chiudendo coreograficamente le finestre delle loro lussuose stanze.
Girato nel 1990 e trasmesso in Italia nello stesso anno, Egoiste di Chanel è forse lo spot di profumi maschili più riuscito di tutti i tempi e uno dei più longevi fra i tormentoni nati a seguito del lancio di una così fortunata campagna pubblicitaria.

Curiosità:

- Di questo profumo fu prodotta anche la versione "Platinum", il cui spot era una sorta di spin-off del precedente. Protagonista sempre l' “Egoista", stavolta non più anonimo e in lotta con la propria ombra per impedirle di sottrargli il profumo.

- il sottofondo musicale è l'ouverture di «Romeo e Giulietta» di Prokof'ev.

- Sandra Mondaini e Raimondo Vianello scimmiottarono le immagini di questo spot in una puntata di «Casa Vianello» .

- a Palermo, su una rete locale, un debuttante Andrea Costa si prestò a recitare la parte del celebre Egoista per la pubblicità-parodia dell'inesistente profumo "S'è cornù" spalancando le finestre ed urlando a squarciagola "Si cuinnutuuu" (“sei cornuto!”).

Buona visione, egoisti: http://www.youtube.com/watch?v=VwbmzAC8aIk

PRETTY WOMAN, walking down the street

2008-06-11T14:01:00.000+02:00

Il mondo è, in un certo senso, tutta una questione di prospettive. Quella di un ammaliante pappone che incontra una prostituta e, assoldandola, se ne innamora, è una storiella che, almeno in apparenza, ha poco la stoffa del copione di successo. Ma se, guardando meglio, ci accorgiamo che lui è un fascinoso Richard Gere quarantenne, lei una Julia Roberts nel pieno dell’età e della forma fisica, e che i marciapiedi sono quelli di Hollywood, andiamo a colpo sicuro, e il trash diventa fresh senza data di scadenza.

La commedia “Pretty Woman” è in realtà del 1990, ma le atmosfere che si respirano, gli abiti scleti, il trucco e il parrucco, la struttura e i dialoghi del film, tutto ha un retrogusto pienamente anniottantesco.

La vicenda ha per protagonista Vivian Ward (Julia Roberts), una giovane prostituta di Hollywood la cui vita è destinata a cambiare a partire dal momento dell’incontro con Edward Lewis (Richard Gere), un affarista miliardario e senza scrupoli appena uscito dall'ennesimo fallimento sentimentale. Ed è qui che Vivian fa l’ “affare”: Edward le propone infatti di restare con lui per l'intera settimana ad un prezzo da capogiro, offerta che la ragazza, naturalmente, accetta di buon grado.

Il rapporto fra i due sembra inizialmente solo di tipo professionale, ma in breve tempo le cose cambiano e i buoni sentimenti non tardano ad arrivare, in uno scambio reciproco di positive influenze che vedrà lei tirar fuori il lato più umano di lui, mentre Edward le insegnerà lo stile e l’eleganza richiesti a una lady dell’alta società americana.

CURIOSITA’:

- Nella colonna sonora del film ci sono anche "Oh Pretty Woman" di Roy Orbison, canzone da cui è tratto il titolo del film, e "Show Me Your Soul" dei Red Hot Chili Peppers.

- Richard Gere,Julia Roberts e il regista Garry Marshall lavorarono di nuovo insieme per Se scappi ti sposo, nel 1999.

- La prima sceneggiatura scritta prevedeva un tragico finale, con Vivian che, dopo la partenza di Edward, fa ritorno nella strada senza più un dollaro e trova la sua amica Kit strafatta di droga e in punto di morte. Poi dopo una revisione del copione si è scelto l'happy ending che tutti conosciamo.

- Il ruolo della Roberts inizialmente era stato proposto anche a Valeria Golino, scartata per il forte accento italiano

- Le riprese sono state effettuate tra Hollywood Boulevard, Hollywood, Beverly Hills e Los Angeles. La suite dell'albergo, invece è stata costruita all'interno degli Studi Walt Disney di Burbank

Qui la MANO amici anni 80

2008-05-07T23:13:00.003+02:00

Trasparente, colorata, viscida e gommosa, la manina appiccicosa e’ stata, fra i gadget degli anni 80, uno dei giocattoli tascabili accolti con più entusiasmo dai bambini dell’epoca (e con maggiore disprezzo da parte dei genitori).

La manina appiccicosa apparteneva alla categoria delle sorpresine-regalo presenti nelle patatine in busta, ed era spesso contenuta nei pacchetti di marche poco note se non del tutto sconosciute.

Si trattava di una piccola mano di gomma collegata a un laccio dello stesso materiale che permetteva di impugnarla e lanciarla per farla aderire su qualsiasi superficie liscia o oggetto.

Ma, come tutte le cose belle, anche la manina non aveva una durata eterna: poco dopo l’apertura della confezione e il suo lancio contro mobili e pareti, per la gioia di mamme e insegnanti, la manina cominciava a impolverarsi smettendo di attaccare come appena tolta dal nilon. Unica soluzione era, a quel punto, come suggerito dal foglietto illustrativo in allegato, il tentativo di lavaggio con acqua e sapone. Ma nemmeno questo rimedio casalingo bastava a riportare la schifida mano acchiappatutto al suo stato originale.

Per la serie: “il gioco è bello fin che dura poco”, le manine multicolor, scomparse dai pacchetti di patatine ormai da moltissimi anni, resteranno “appiccicate” nelle memorie dei più nostalgici come un caro, irresistibile, feticcio di quei favolosi, irripetibili, anni 80.

FESTIVALBAR negli anni 80

2008-04-13T16:15:00.000+02:00

Nato nel lontano 1964 e rimasto tuttora il più consueto fra gli appuntamenti musicali estivi, il Festivalbar era in origine una semplice gara fra canzoni il cui esito veniva decretato dagli ascolti rilevati dai juke-box sparsi nei bar di tutta Italia (di qui il nome della trasmissione). Divenuto, a partire dal 1968, un vero e proprio programma televisivo di casa Rai per la messa in onda della serata di premiazione, dall’83 in poi, in seguito al passaggio alle reti Mediaset, la manifestazione ha cambiato format e regolamento per divenire un vero e proprio spettacolo itinerante, ripreso di settimana in settimana da una diversa piazza della penisola.
Gli anni 80 hanno scritto qualche pagina memorabile della storia festivalbariera che vi ripropongo di seguito segnalandovi, anno per anno, vincitori e conduttori di questo popolarissimo show televisivo.

VINCITORI:

1980: Miguel Bosè - Olympic Games

1981: Donatella Rettore - Donatella

1982: Miguel Bosè - Bravi ragazzi; Loredana Bertè - Non sono una signora; Ron - Guarda chi si vede

1983: Vasco Rossi - Bollicine

1984: Gianna Nannini - Fotoromanza

1985: Righeira - L'estate sta finendo

1986: Tracy Spencer - Run To Me

1987: Ivana Spagna - Dance Dance Dance

1988: Scialpi e Scarlett - Pregherei

1989: Raf - Ti pretendo

CONDUTTORI:

1982: Claudio Cecchetto - Licia Colò

1983: Claudio Cecchetto - Marina Perzy - Eleonora Brigliadori

1984: Claudio Cecchetto - Ramona Dell’Abate

1985: Claudio Cecchetto - Licia Colò - Susanna Messaggio

1986: Claudio Cecchetto - Susanna Messaggio

1987: Claudio Cecchetto - Susanna Messaggio - Andrea Salvetti

1988: Gerry Scotti - Andrea Salvetti

1989: Gerry Scotti - Susanna Messaggio

Run, TRACY SPENCER, run!

2008-04-03T08:57:00.000+02:00

Louise Tracy Freeman, in arte Tracy Spencer (da non confondersi con la quasi omonima interprete statunitense Tracie Spencer, né col celebre attore hollywoodiano Spencer Tracy), è una cantante inglese divenuta icona della musica dance anni 80, oggi meteora più volte rispolverata fra i miti di quel periodo.

Scoperta a metà decennio da Claudio Cecchetto, santone incontrastato fra i talent-scout di maggior prestigio del nostro Paese, l’esordio discografico di Tracy Spencer risale al 1986 con la pubblicazione del singolo "Run To Me", che oltre a garantirle la (poca) notorietà di cui tutt’oggi gode, le assicura perfino la vittoria al Festivalbar. Il successo del brano è tale da portare Tracy al primo posto delle classifiche di vendita di tutta Europa, arrivando perfino a surclassare, nella hit-parade inglese, l’unica, vera, numero uno della pop music di sempre: Madonna. Seconda tappa della carriera della Spencer, simpatica ex-modella di colore senza i crismi e le potenzialità che caratterizzano comunemente una grande voce black, è il singolo "Love is like a game", la cui versione originale risale al 1985 ad opera delle Hot Cold e porta la firma della mitica Ivana Spagna.

Poi, nell'estate dell’ 87, il terzo 45 giri, "Take me back", accompagnato dall'album di rito e dal ritorno della cantante, l’anno successivo, sul palcoscenico del Festivalbar con la meno fortunata "I feel for you", in seguito alla quale Tracy lascia l’Italia per trasferirsi prima a Londra e poi stabilmente ad Amburgo. In Germania la Spencer si sposa e mette al mondo due figli, abbandonando semi-definitivamente - fatta eccezione per qualche sporadica ospitata come rappresentate dell’epoca a noi cara - il mondo della musica che l’aveva resa nota.

Ecco Tracy ai tempi d’oro:

- "RUN TO ME" Festivalbar '86: http://www.youtube.com/watch?v=R4gcOjxdC3E

- "I FEEL FOR YOU" Festivalbar '88: http://www.youtube.com/watch?v=apGsfk8ClaQ

Ed eccola oggi, dopo oltre 20 anni di playback e ammiccamenti, in un concerto dedicato agli anni 80 tenutosi a Modena la scorsa estate:

http://www.youtube.com/watch?v=EZvnh3xnNDY

A cavallo degli 80: VOLA MIO MINI PONY

2008-03-25T13:30:00.000+01:00

Confezionata dall’americana Sunbow Production, “Vola mio mini pony” (My little pony) è una serie animata televisiva andata in onda su Italia 1 dal 1987 al 1992 per un totale di 61 episodi.

Zuccheroso e pieno di colore, il grande consenso di pubblico riscosso da questo cartone ha contribuito al lancio di ben tre generazioni di giocattoli (la prima nell’82, la seconda nel ’97, la terza e ultima nel 2003, tutt’ora presente nei negozi): il corpo arrotondato e tatuato, un muso vagamente antropomorfo, gli occhioni spropositati e le criniere tinta Uniposca hanno fatto di loro l’oggetto del desiderio di buona parte delle ex bambine di allora come di quelle di oggi.

Ciliegina sulla torta l’omonima sigla (di cui sopra il vinile) cantata – naturalmente – da una meravigliosa Cristina D’Avena: sfido qualsiasi coetaneo 25/30enne a non ricordare almeno un pezzetto di strofa o il motivo del ritornello!

Il cartone è ambientato a Ponyland, in un mondo ideale e anniottantesco di prati sempre in fiore e arcobaleni su cui poter volare, dove vivono, fra le camere e i cortili di un villone hollywoodiano, i truccatissimi puledrini ormai vecchi di 21 anni. Ma, come in ogni fiaba che si rispetti, anche il pianeta dei mini pony è insidiato dalle forze del male: ed ecco un trio di streghe, maniche di troll e altri più o meno improbabili mostriciattoli occupati nel tentativo di eliminare i piccoli destrieri o ridurli in schiavitù! In difesa dei mini pony scendono invece in campo alcuni amici umani, Megan ( la ragazzina-salopette) e i fratellini Molly e Danny, sostenuti dal draghetto rosa Spike.

Qual’era il vostro preferito? Ma soprattutto: con o senza ali? Colore? Simbolo? Unicorno? A voi la parola!

E non perdetevi questi video:

http://www.youtube.com/watch?v=fltSldEg-9k

http://www.youtube.com/watch?v=3DAFkFCqNwM

http://www.youtube.com/watch?v=2yl6rFG-XEA

http://www.youtube.com/watch?v=4MC7GlxsyXA&feature=related

Ultimi "cheese" per la POLAROID

2008-03-12T14:59:00.000+01:00

Gli Eighties sono stati, per eccellenza, i memorabili anni dell’oggetto, il decennio del trionfo del feticcio, la fiera del congegno stravagante, l’era della beneamata “artificialità”. E fra tutti gli arnesi partoriti in quel periodo, ce n’è uno che quell’epoca l’ha segnata (e fissata) più di qualsiasi altro: sto parlando della straordinaria Polaroid.

Perché perdere tempo? Perché dover aspettare che il fotografo abbia finito di fare il suo mestiere? A risolvere la questione ci ha pensato la Polaroid che, grazie a un semplice processo di convergenza della luce su fogli di plastica, ha semplificato la vita a turisti, amatori e fotografi di professione dando a chiunque l’opportunità di scattare e vedere sviluppate le proprie immagini nel giro di pochi secondi

Forse non tutti sanno che di recente la Polaroid, società statunitense creatrice dell’omonimo prodotto, ha reso noto che, a oltre vent’anni di distanza, sarà interrotta la fabbricazione delle tanto amate e sventolate pellicole istantanee. E a nulla servirà farne scorta in abbondanza perché anche loro – come tutte le "cose buone" - hanno una scadenza preordinata. Philippe Kalmbach, senior vice president e general manager di Polaroid Europe, ha altresì dichiarato che è in progetto una fotocamera digitale con stampante incorporata che rappresenterà l’evoluzione in chiave moderna della vecchia macchina a noi tanto cara. I primi modelli saranno in vendita a partire da gennaio 2009 e i prezzi oscilleranno tra i 200 e i 270 €.

Ma la magia degli 80’s, che prezzo proprio non ha, perderà così un altro dei suoi pilastri portanti, relegato tutt’al più a mito per i nostalgici o ad oggetto cult per i collezionisti di settore.

Chi volesse, nel frattempo, dare un ultimo caloroso saluto all’istantanea più amata della vecchia generazione, non si perda Maripolarama, libro illustrato della celebre fotografa anni 80 Maripole che ha raccolto in un unico volume una serie di scatti con la sua Polaroid Sx-70 ai principali personaggi di quegli anni, tra cui Madonna, Andy Warhol, Cher, ed Elton John: http://www.amazon.fr/exec/obidos/ASIN/1576872726/403-2971663-6374043

Che tesoro gli anni 80: I GOONIES

2008-03-04T16:01:00.002+01:00

Nel 1985 vede la luce una delle migliori creature cinematografiche partorite dal regista, sceneggiatore e produttore cinematografico statunitense Steven Spielberg: si tratta de “I Goonies”, una divertentissima pellicola per ragazzi che inscena le avventure di una banda di sette bambini provenienti dall’immaginaria città costiera di Goon Docks, sulle tracce di un tesoro nascosto nella baia di un pirata. Dopo il ritrovamento in una polverosa soffitta di un’antica mappa spagnola appartenuta a un leggendario corsaro del 17° secolo (Willy l’Orbo, n.d.r.), il gruppo di amici inizia la propria ricerca penetrando in uno chalet sperduto fra i monti che - haimè - si rivela essere anche la base operativa della losca famiglia "Fratelli".

Ma l’oscuro rifugio non funge solo da nascondiglio per il trio di malavitosi: al suo interno è infatti nascosto un passaggio che scende nelle caverne del sottosuolo dove i sette piccoli Goonies saranno costretti a oltrepassare terribili prove, fra pipistrelli, torrenti e trabocchetti, sempre rincorsi dalla perfida (e immensamente brutta) mamma Fratelli, con figli a seguito.

Liberato dalle catene il gigantesco Sloth, ultimo ma non meno deforme membro della casata Fratelli, tenuto prigioniero dai tre amorevoli familiari, i ragazzi giungono alla fine nel bel mezzo di un lago sotterraneo in cui giace, sontuosa e immobile, una nave pirata carica d’oro e gioielli preziosi.

La storia si conclude con la vittoria dei Goonies sui cattivi e il ritorno di tutti sulla spiaggia di Goon Docks, il cui abbattimento per la creazione di un campo da golf potrà ora essere evitato grazie all’ingente somma di denaro recuperata dai sette ingambissimi. Eccoli oggi:

Curiosità & errori:

- Sean Astin (Mikey Walsh), comparso fra i personaggi secondari anche ne “La guerra dei Roses” dell’89, ha raggiunto l’apice della celebrità a partire dal 2002 con la partecipazione alla trilogia de “Il signore degli anelli” nelle vesti di Sam Gangee Il Gaffiere, compagno d’avventura del protagonista Frodo Baggins (Elijah Wood). L’attore ha inoltre recentemente ammesso, in una intervista a MTV, che il sequel del film, sul quale si sprecano voci da anni, è realmente in lavorazione: « L'idea è venuta quando hanno distribuito il dvd dei Goonies, che ha venduto tantissimo. Steven Spielberg, Dick Donner e gli altri produttori credono che la cosa che rendeva forte il film era il fatto che riguardava i bambini, e quindi ora vogliono che anche il secondo film riguardi i bambini: la nuova generazione di Goonies. E ci stanno lavorando molto. (...) La cosa importante è che lavorino a una storia che soddisfi la vecchia guardia di spettatori miei coetanei connettendosi all'originale del 1985, e allo stesso tempo creino qualcosa di nuovo»

- Corey Feldman (Mouth Devereaux) ha preso parte al mondo dello spettacolo giovanissimo, girando alcuni spot pubblicitari e recitando in una una situation comedy. Ma la vera notorietà è arrivata con il film “I Goonies” (1985) e più tardi con “Stand by me - Ricordo di un'estate” (1986). La sua carriera si è poco dopo interrotta in seguito a problemi di dipendenza dalla droga che lo hanno costretto ad allontanarsi dalle scene.

- L'attrice della madre di Miky alla fine del film è diversa da quella che si vede all'inizio!

- I ragazzi sono vestiti in modo estivo, pur essendo autunno, eppure quando arrivano ai Tre Scogli indossano magicamente dei giubbotti che prima

- Ai tempi dei Goonies, nel 1985, l’attore vietnamita Jonathan Ke Quan (Data) era già noto per aver interpretato, l’anno precedente, la parte del piccolo Short Round in un altro dei capolavori di Spielberg: “Indiana Jones e il tempio maledetto”

- Josh Brolin è di recente apparso sul grande schermo nel film “Non è Un Paese Per Vecchi” (2008) in cui interpreta il personaggio di Moss

- Uno dei giornalisti che intervista i ragazzi alla fine del film, è niente popodimeno che Jim Carrey!

- Uno dei poliziotti che arrestano la banda Fratelli alla fine del film è Richard Donner, direttore del film.

- Il doppiatore italiano di Sean Astin (Michy, il protagonista) è una donna, la stessa che doppia Jennifer Aniston nel telefilm Friends

- Nella scena in cui Chunk è chiuso nel frigo con un'agente dell'fbi morto si può notare che quest'ultimo sbatte le palpebre.

- In una delle scene del galeone, la Mamma Fratelli viene buttata in acqua, ma poco dopo la si rivede sul galeone completamente asciutta!

E per chi non ne avesse avuto abbastanza:

http://thegoonies.altervista.org/
http://thegoonies.org/
http://www.returntoastoria.com/
http://www.bloopers.it/film/testo.php?id_film=974&Lettera=G
http://it.youtube.com/watch?v=OPHDwb7ON7Q&feature=related

INDOVINA CHI ha la faccia così

2008-02-28T08:51:00.000+01:00

Ventiquattro figurine gialle a sfondo bianco, ventiquattro improbabili facce e altrettante spassosissime espressioni, ventiquattro nomi di uomini e donne che (almeno in parte) non si possono dimenticare: Max, Maria, Susan, Eric, Alex, Alfred, Anita, sono solo alcuni delle due dozzine di personaggi che hanno riempito i pomeriggi e le serate di tutti noi ex bambini degli anni 80 in agguerritissime sfide uno-contro-uno fino all’ultimo indovinello.
Il gioco era composto da un mazzo di carte e da due piattaforme, una rossa e una blu, ciascuna attrezzata di caselle sufficienti per ospitare tutte le ventiquattro fantomatiche facce. La partita cominciava pescando a caso dal mazzo una carta-personaggio e tentando, attraverso
domande alternate, di completare l’identikit dell’avversario per esclusione.

Ha i baffi? Porta il cappello? E’ moro? La bocca è grande? E il naso com’è?
Come dimenticare.
E come rimuovere la soddisfazione e il compiacimento che si provava nel buttare a terra le caselline che potevano essere escluse dalla rosa dei nostri sospetti!

Del gioco, distribuito in Italia dalla Hasbro (che nel 1984 rilevò l'MB, l’azienda statunitense fautrice, 20 anni prima, del lancio del prodotto) esistono tutt’oggi diverse versioni, di cui una raffigurante, al posto dei personaggi "classici", i protagonisti dei film d'animazione Disney.

Facile però supporre che sarà la prima versione, quella originale degli anni 80, a rimanere per sempre la più amata e ricordata. Ho indovinato?

Auguri Coca Cola e poi, un coro in armonia

2007-12-21T12:05:00.000+01:00

Chiunque di noi ripensi a un Natale di almeno 20 anni fa non potrà fare a meno di associare le immagini sfuocate di quei tempi a qualcosa che abbia a che fare, più o meno lontanamente, con la bibita analcolica e gassata più venduta del mondo. Coincidenza davvero così speciale?
Non completamente. E’ stata infatti proprio la Coca Cola, nei lontani anni 30, a conferire al Santa

Claus che oggi tutti conosciamo le tipiche caratteristiche somatiche che lo contraddistinguono.
Vecchio e pacioccone, coi suoi vestiti rossi e la sua lunga barba bianca, il Babbo Natale moderno è entrato e rimasto nell’immaginario collettivo grazie alla penna del celebre illustratore Haddon Sundblom e agli spot che, in passato come oggi, la Coca Cola ha lanciato, con grande cura dei particolari, durante il periodo delle festività.

Negli anni 80, complice una linea imperdibile di gadgets tutt’ora ricercatissimi dai collezionisti di ogni parte, l’immagine del “Natale-Coca Cola” ha toccato le vette più alte di consensi e popolarità grazie anche (e soprattutto) a una pubblicità di grande impatto emotivo che ha scritto la storia dei moderni spot natalizi ed è rimasta incisa nei ricordi più lieti di ciascuno di noi.

Ed è proprio sulle note di questo jingle che auguro a tutti di passare delle belle feste di Natale, con la promessa di ritrovarci nel 2008 di nuovo qui, in questo sito che deve qualcosa a ciascuno di voi, per tante nuove pagine di ricordi e sorrisi targati anni 80 da rivivere insieme!

"Vorrei cantare insieme a voi/ in magica armonia/ auguri Coca-Cola e poi/ un coro in compagnia/ canta insieme a noi/ auguri Coca Cola e poi/ un coro in armonia/ cantate tutti insieme a noi..."

http://it.youtube.com/watch?v=j0-F-dvV8sI

Magici, magici Eighties, con MAGICA EMI

2007-12-14T09:43:00.000+01:00

Arcobaleni, trasformazioni e animaletti parlanti non potevano non fare, negli anni 80, la felicità di ogni bambino. Lo sanno bene i fan di Magica Emi, certamente una fra le più amate e popolari delle maghette di quel periodo, che hanno vissuto e rivissuto con passione le vicende della piccola Mai e del suo adorabile scoiattolo-peluche sin dal lontano 7 giugno 1985.

Intramontabile evergreen dell’animazione giapponese, Magica Emi (“Mahoo no star Magical Emi” il titolo originale) è la storia di Mai Kazuki, una bambina di 10 anni con la passione per i trucchi di magia che sogna di poter diventare da grande una famosa e brava prestigiatrice entrando a far parte del gruppo dei "Magical-Art", compagnia di maghi creata dai suoi nonni.

Un giorno la piccola Mai nota una sfera di luce infilarsi in un particolare specchio a forma di cuore regalatole da suo nonno poco prima.
Ed è a quel punto che fa la sua prima apparizione Topo, il folletto-scoiattolo che materializza il bracciale magico grazie al quale la ragazzina potrà veder coronato il suo sogno d’infanzia, trasformandosi così nella bella e abile prestigiatrice che lei stessa ribattezzerà con il nome di Emi.

Terza maghetta dello Studio Pierrot (autore, fra gli altri, anche di Evelyn e la magia di un sogno d’amore, Sandy dai mille colori, E’ quasi magia Johnny e Lamù), Magica Emi è stata, dopo L'incantevole Creamy (ulteriore gloria del gruppo Pierrot), il personaggio magico animato di maggior successo, in Italia, negli anni 80.

Di grande supporto ai consensi televisivi raggiunti dal cartone è stato anche l’elemento musicale, con una sigla tutt’ora incisa nella memoria di ciascuno di noi, interpretata naturalmente da una meravigliosa e giovanissima Cristina D’Avena.

E le magie continuano sul sito ufficiale di Emi (com’è ovvio, in giapponese): http://pierrot.jp/title/magicgirl/cate03.html

Telefilm + anni 80 = I ROBINSON

2007-11-23T09:42:00.000+01:00

Se vi parlassi del grande successo che negli anni 80 ebbe la famosissima “Huxtable Family”, la maggior parte di voi storcerebbe il naso e si domanderebbe su quale pianeta ha vissuto fin’ora. Ma se vi dico “ I Robinson” le cose cambiano, e sapete tutti di cosa stiamo parlando.

Indimenticabile e indimenticata serie tv che negli Eighties ha fatto il giro del mondo divenendo un vero e proprio cult per l’intero decennio, “ The Billy Cosby Show ” (cambiato, appunto, da noi, nel più pronunciabile “I Robinson”) racconta divertenti scene di vita quotidiana dei coniugi Cliff (Bill Cosby), affabile ginecologo con un ufficio in casa, e Claire (Phylicia Rashad), avvocato di grido, insieme ai loro 5 figli Sondra (Sabrina Le Beauf), Denise (Lisa Bonet), Vanessa (Tempestt Bledsoe), Rudy (Keshia Knight Pulliam) e Theo (Malcolm-Jamal Warner).

Il telefilm affronta le tematiche più tipiche delle sit-com anni '80, passando dai classici problemi adolescenziali allo scontro generazionale fra genitori e figli secondo la migliore tradizione della fiction americana, e realizzando il sogno di un’estrema integrazione razziale all’interno di un'utopica società a stelle e strisce.
Trasmessa per ben 8 stagioni televisive e replicata, in Italia come all’estero, infinite volte, questa serie tv detiene il record di 5 anni consecutivi al numero 1 delle classifiche di popolarità.

Ma che fine hanno fatto i suoi amatissimi protagonisti?

- Il quasi 72enne Bill Cosby, vincitore nel 1999 di un premio speciale del pubblico per il miglior personaggio della storia televisiva, é un produttore televisivo di successo, mentre Phylicia Rashad, sua moglie Claire, dal passato sentimentale molto burrascoso (è stata tra l'altro sposata a Victor Willis, il cantante dei Village people), è ancora attiva nel mondo degli show televisivi.

- Sabrina Lebeauf, la figlia maggiore Sondra, che soffiò il ruolo ai provini a una certa Whitney Houston, è oggi una designer di appartamenti, mentre sua sorella Denise, Lisa Bonet, sposata per 6 anni con Lenny Kravitz (con cui ha avuto una bambina) è oggi impegnata nel sociale, anche se non manca di fare alcune comparsate in film per la tv.

- Il figlio maschio dei Robinson, Theo, l'attore Malcolm Jamal Warner, è diventato un regista televisivo (ricordiamo, fra le sue produzioni, alcuni episodi di "Willy, il principe di Bel Air"), mentre Tempestt Bledsoe-Vanessa è oggi una semi-conosciuta attrice televisiva ("The practice", uscito anche in Italia, dice per caso qualcosa a qualcuno?).

- Keshia Knight Pulliam,la piccola Rudy, oggi ha 28 anni, è laureata in scienze sociali ma negli ultimi anni ha deciso di tornare nel mondo dello spettacolo, prima come modella, poi come attrice cinematografica. Nel 2003 ha vinto un'edizione speciale vip di "Fear factor".

La SPALLINA non declina

2007-11-09T09:54:00.000+01:00

Negli anni 80 ogni donna aveva un’amica affezionata dalla quale era impossibile separarsi: la spallina. Gonfia, pacchiana e posticcia come poche altre cose, questa pseudo alleata della moda femminile (e, perché no, anche maschile) era reperibile, in quei periodi, in svariate forge e dimensioni.
Nata originariamente come esile supporto da posizionare sotto gli abiti con lo scopo di conferire alle spalle un po’ di volume, col passare del tempo la spallina vide ingigantire sempre di più le sue dimensioni sino a far raggiungere, talvolta, ai look adornati, le fattezze tipiche delle divise dei film di fantascienza.
Esempio più evidente della Star Track-spallino mania era (ed è) l’intramontabile Raffa Nazionale che, come tutti ricordano, in quanto a spalline non ci andò certo per il sottile.

Fastidiose, antiestetiche e imbottite come panini, le spalline si apprestano oggi a ritornare alla ribalta, sgradita compagnia per le donne del nuovo millennio a causa di una moda ormai trita e priva di idee, eterna copia di sé stessa.

Dopo fuseaux, bomberini, occhiali da aviatore e magliette con maniche a pipistrello, gli anni 80 fanno dunque la loro ricomparsa anche sotto forma di spalline, avvistate alle ultime sfilate di Londra e Parigi sulle passerelle di Gareth Pugh, Vivienne Westwood e Balenciaga.
Addio buongusto, bentornata scomodità.

Ciao Cummenda!

2007-10-30T08:14:00.002+01:00

Il mondo dei telefilm targati anni 80 ha perso uno fra i suoi più amati e insostituibili interpreti: si tratta del mitico Guido Nicheli, meglio noto col soprannome di "Cummenda", archetipo del ricco imprenditore lombardo e insieme divertentissima macchietta dallo spiccato accento milanese, coprotagonista di numerose pellicole cinematografiche e serie tv dal 1975 al 2006.
Nato principalmente come attore comico per commedie all'italiana divertenti e senza troppe pretese, a metà degli anni 80 Nicheli viene convocato dal regista Dino Risi per interpretare l'unico ruolo drammatico della sua carriera nel film "Scemo di guerra" del 1985.

Gli anni 80 hanno rappresentato per lui il decennio più significativo per fama e riconoscimenti: fra l'87 e l'89 il suo personaggio ha infatti ricevuto la consacrazione definitiva nella serie televisiva "I ragazzi della Terza C" con il nome de "il Zampetti", spassosissimo commerciante di salumi. Gli anni 90 e 2000 lo hanno invece visto partecipe di alcune miniserie e promozioni televisive, prima di tornare per l'ultima volta sul grande schermo nel 2006 con Vita Smeralda di Jerry Calà, suo amico consolidato e fedele compagno di numerose produzioni. Due giorni fa, il 28 ottobre 2007, il Cummenda si è spento a Desenzano del Garda, per un ictus cerebrale.

Gli anni 80 lo salutano, ringraziandolo, meglio che con un "addio", con un ultimo e fortissimo "TAAC" come solo lui saprebbe fare!

Per saperne di più potete fare un salto sul sito dei "Ragazzi della terza C" dove è a disponibile la sua ultima intervista, rilasciata nel 2004: http://ragazziterzac.altervista.org/int-nicheli.html

INDIANA JONES, l'avventura continua

2007-10-23T10:11:00.000+02:00

"I predatori dell’arca perduta” (’81), “Il tempiomaledetto” (‘84) e “L’ultima crociata” (’89): apologia di anni 80, ritmo incalzante e avventura al limite del rocambolesco per il personaggio più fortunato di Harrison Ford, l'impavido archeologo Indiana Jones, detto "Indy” (diminutivo di Henry Jones Junior), partorito 27 anni fa dalla mente di George Lucas, già padre della saga di Guerre Stellari, e ancor oggi molto
celebre e amato fra il pubblico di tutte le età.

La trilogia racconta le imprese del giovane Indiana, preciso ed impeccabile professore universitario ma anche scaltro ed acuto avventuriero in giacca di pelle e cappellaccio, sempre pronto a vagare per il mondo alla ricerca di antichi reperti e civiltà perdute.

Nel primo film, ambientato in Egitto, l’impavido Indiana dovrà vedersela con i nazisti, il cui esercito impiegherà ogni mezzo per trovare il punto esatto in cui si trova l'arca con le tavole di

Mosè. Nella seconda pellicola, invece, il nostro archeologo dalle uova d’oro entrerà in affari con un magnate cinese per recuperare un oggetto prezioso, ma al momento della trattativa le cose non andranno per il verso giusto e così Jones sarà costretto ad una spericolatissima fuga in aereo verso le montagne dell'Himalaya. Ad accompagnarlo ci sono una cantante di cabaret ed il giovane Short Round, un ragazzino cinese che diverrà la sua preziosissima guida.
Infine, ne “L’Ultima crociata” tornano i nazisti che faranno di tutto per ostacolare Indiana e suo padre (interpretato dall'intramontabile Sean Connery) sulle tracce del leggendario “Sacro Gral”.

CURIOSITA’:

- Per il ruolo del dottor Jones venne scelto inizialmente Tom Selleck, già protagonista della fortunata serie televisiva Magnum P.I., che si tirò indietro all'ultimo minuto costretto a rinunciare alla parte per onorare il contratto di esclusività con la rete americana CBS.

- La prima ispirazione per il personaggio che sarebbe poi divenuto protagonista dell'intera saga, venne da un poster di un vecchio film, mentre il regista, George Lucas, si trovava costretto a letto a causa di un incidente stradale nel quale era rimasto ferito alle gambe.

- Accanto ai film "ufficiali" della saga si è affiancata una lunga serie televisiva, “Le avventure del giovane Indiana Jones” (Young Indiana Jones Chronicles), che ha per protagonista l'archeologo dapprima bambino e poi ventenne, costantemente in giro per il mondo alla ricerca di nuove avventure, sempre a sfondo didattico e con la presenza di un personaggio storico in ogni episodio.

- Nel primo film compare il responsabile degli effetti speciali, Dennis Muren, nei panni della spia nazista che insegue Indy in aereo e il produttore Frank Marshall (regista di "Alive" e di "Aracnofobia") come pilota dell'Ala Volante tedesca. In questo film compare inoltre, nascosta tra gli ideogrammi egizi, la sagoma del droide R2-D2 (Conosciuto in Italia anche come C1-P8), uno dei personaggi di Guerre Stellari.

- In “Indiana Jones e il tempio maledetto”, invece, il bar orientale delle scene iniziali si chiama "Obi Wan", esplicito riferimento a Obi-Wan Kenobi, uno dei protagonisti dell'altra saga targata George Lucas. Ne “Il tempio maledetto”, inoltre, fanno la loro comparsa anche George Lucas nel ruolo di un missionario e Steven Spielberg in quello di un turista all'aeroporto.

- In “Indiana Jones e l’ultima crociata” il personaggio di Sallah è interpretato da John Rhys-Davies, alias Gimli, il nano de “Il signore degli anelli”!

- Notizia delle notizie, anteprima delle anteprime, il 18 giugno 2007 sono iniziate le riprese del quarto episodio di Indiana Jones con il titolo definitivo di “Il regno del teschio di cristallo” il cui protagonista sarà sempre Harrison Ford con Steven Spielberg alla regia e la cui uscita nei cinema è prevista per il 22 maggio 2008!!

Bentornati FUSEAUX

2007-10-12T11:01:00.000+02:00

Che la moda viva di corsi, ricorsi e revival continui, non è una grande novità. Ma chi l’avrebbe mai detto che nel 2007, a oltre 20 anni di distanza dai "what a felling, bein's believin" che hanno reso indimenticabile “Flashdance”, i pantaloncini più aderenti e trash della storia del costume sarebbero tornati a farci sognare?

Rivisitati e corretti secondo gli attuali dettami delle tendenze più alternative, i panta collant hanno infatti ripreso a ruggire sulle passerelle di tutto il mondo con un nuovo nome ( “leggins” ) e trasformati in un accessorio "esclusivo" cui i look più azzardati non possono rinunciare.

Revival o meno, a noi piace comunque ricordarli col loro vecchio nome, “fuseaux” , in tutta la loro bruttezza e nella cara antiesteticità che rendeva simpaticamente ridicolo (ma drammaticamente “normale”, per i tempi) chiunque li indossasse.

Fra le rappresentanti più celebri di questo capo di abbigliamento tremendamente made in Eighty come dimenticare la mitica Jennifer Beals (l’attrice di “Flashdance”, appunto), l’impareggiabile Jane Fonda con i suoi storici video di ginnastica aerobica, la baracconissima Madonna di “Like a Virgin” in “Cercasi Susan disperatamente” e l’incommensurabile Jo squillo nel pieno del suo delirio canoro da lolita punk-rock degli anni 80 italiani.

Refresh your mind:

- http://it.youtube.com/watch?v=Jcp7v0uoybc
- http://it.youtube.com/watch?v=Jhb_-II16PQ
- http://it.youtube.com/watch?v=lHrDPD5bFQA
- http://it.youtube.com/watch?v=sGACUcBf1uE

Belle, ladre e anni 80: OCCHI DI GATTO

2007-10-03T12:06:00.000+02:00

Tratta dal fumetto di Tsukasa Hojo, la serie animata di “Occhi di gatto” viene trasmessa nel nostro paese a partire dal settembre 1985, prima su Italia 1 e poi in replica su Rete 4.

Divenuta un vero e proprio must fra i cartoni degli anni 80 anche grazie all’indimenticabile sigla interpretata da Cristina d’Avena, la storia di questo anime giapponese racconta le avventure spericolate di tre belle sorelline che rubano per ricostruire la collezione di opere d’arte realizzate dal padre, Michael Heintz, un artista scomparso durante la seconda guerra mondiale.

Sheila, Kelly e Tati (veri nomi: Gitomi, Rui e Ai), che durante il giorno gestiscono un piccolo bar nella periferia di Tokyo, il non troppo discreto “Cat’s eye cafè”, di notte indossano calzamaglie aderentissime (viola per Kelly, azzurra per Sheila e arancione per Tati) trasformandosi nell’inafferrabile banda Occhi di gatto, i cui colpi hanno sempre buon esito grazie all’aiuto del signor Marloss, amico del padre, e ai piani infallibili delle due sorelle maggiori, costantemente supportati dai potenti marchingegni della piccola Tati.

A complicare le già ardue e inverosimili imprese delle tre “gattine” c’è Matthew (Toshio), detective sulle tracce della mitica banda di ladre in tutina e tacchi a spillo, ingenuamente fidanzato con Sheila ed eternamente sconfitto nelle tante missioni pianificate insieme al suo capo e alla spietatissima collega Alice.
Il finale della serie (di cui non parlerò per non rovinare la sorpresa a chi deve ancora gustarlo) mostra Matthew sempre più sospettoso e vicino alla verità, invaghito di una delle tre nemiche (guarda caso Sheila) e fortemente speranzoso che possa essere proprio lei, la ladra che ha assorbito ogni sua energia e a cui dà la caccia da così tanto tempo, la sua vera fidanzata.
Del resto, si sa, in amore vince chi fugge…

Alcuni link da non perdere:

- La sigla italiana: http://www.youtube.com/watch?v=IqICiIlWOjk&mode=related&search=

- La sigla tedesca (con un'altra musica): http://www.youtube.com/watch?v=WMQg1zv5Mhw

- Video di immagini dedicato a Mattew e Sheila: http://www.youtube.com/watch?v=zYrzvNkaJP0

- Cristina d'Avena canta Occhi di gatto con i Gem Boy al ROXY BAR: http://www.youtube.com/watch?v=ZtPY92HfrKc

- Cristina d'Avena in una rivisitazione dance del '95 di Occhi di gatto: http://www.youtube.com/watch?v=_8aMHa0sMWA

LORELLA CUCCARINI e una notte che vola

2007-09-27T13:49:00.000+02:00

La notte di San Lorenzo del 1965 nasce a Roma la più bionda e snodata delle stelle cadenti: Annabella Moranti, altrimenti conosciuta come Lorella Cuccarini. Approdata al mondo dello spettacolo in veste di ballerina di fila all’interno di programmi come "Te lo do io il Brasile" con Beppe Grillo o "Tastomatto" con Pippo Franco, la Cuccarini inizia la sua carriera di showgirl nel 1985 dopo essere stata ingaggiata da Baudo per esibirsi sulle note della sigla di Fantastico 6, “Sugar sugar”. Bissato il successo della trasmissione l’anno seguente accanto alla collega Alessandra Martines, nell’87 Lorella passa a Mediaset dove conduce prima "Festival" e poi "Odiens", toccando l’apice della popolarità con la sigla "La notte vola", brano che la consacra icona indiscussa degli anni 80 e di tutta la televisione italiana che conta.
Artista poliedrica e preparata, col passare del tempo la Cuccarini arricchisce il suo repertorio spaziando dalle vesti di ballerina moderna a quelle di cantante pop (come dimenticare la melodia di “Un altro amore no”, presentata nel ’93 sul palco dell’Ariston) e dal ruolo di presentatrice televisiva alla professione di attrice di musical in teatro.
Gli anni 90 la incoronano regina di Paperissima per ben sei edizioni, prima accanto a Ezio Greggio, poi affiancata dal suo storico compagno di avventure catodiche, Marco Columbro, insieme al quale affronterà, per tre stagioni consecutive, anche la sfida di Buona Domenica (primo programma televisivo Fininvest mandato in onda in diretta).
In seguito a qualche trasmissione passata un po’ più inosservata (nel ‘96 La Stangata con Enzo Iacchetti, nel ’98 Campioni di Ballo, in onda su Rete 4) il 2001 riporta la Cuccarini agli antichi splendori con un divertentissimo programma in prima serata dedicato agli anni 80, omonimo del suo successo maggiore: La notte vola.
Momentaneamente assente dalle scene televisive, la Lorellona nazionale, oggi madre di 4 figli, ha recentemente portato a termine una tournèe teatrale che l’ha vista protagonista per tutta la scorsa stagione dello spettacolo “Sweet Charity", vincitore come Musical dell’anno al Premio Gassman 2007;
Dopo 22 anni di “fiati in gola” e “buii che t’innamorano”, la sua grinta e il suo carisma non smettono di entusiasmare il pubblico di ogni età rinnovando la sua fama di “più amata dagli italiani” e facendo di lei una delle showgirl più brillanti e versatili che il nostro paese abbia mai conosciuto.

Alcune curiosità:

- All'età di 9 anni, durante il periodo di frequentazione delle scuole elementari, Lorella prende parte ai corsi di danza della scuola di Enzo Paolo Turchi (attuale marito di Carmen Russo). Dopo le scuole medie, invece, consegue il diploma di Accompagnatrice Turistica.

- L’incontro con Pippo Baudo avviene ad una convention dei gelati Algida

- Nel 1994 ad agosto nasce Sara, la sua prima figlia e, durante la gravidanza, Lorella prepara 4 anni in 1 al liceo linguistico e progetta insieme al marito la nascita di "Trenta ore per la vita", maratona benefica destinata a raccogliere fondi per diverse associazioni onlus

- Seppur lontana dalle scene televisive, la Cuccarini porta avanti tutt'ora il suo impegno con l'associazione "Trenta ore per la vita", ricoprendo il prestigioso ruolo di conduttrice della "Festa di Primavera" nella tenuta di CastelPorziano accanto al Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano.

- Nel 2004, dopo 17 anni di sodalizio con la Scavolini, Lorella Cuccarini decide di non rinnovare più il contratto, raggiungendo comunque un record come testimonial pubblicitaria più longeva nella storia della pubblicità

BALLE SPAZIALI: che lo sforzo sia con noi

2007-09-16T19:43:00.000+02:00

Balle spaziali: sin dal nome una garanzia. Difficilmente, infatti, sarà possibile menzionare una pellicola più anni 80 di questa, che fa del trash e del comico-demenziale i propri maggiori punti di forza. Ideato e prodotto da Mel Brooks, con un cast di attori che negli anni 80 hanno conosciuto le loro stagioni migliori (da Rick Moranis a Daphne Zuniga, da John Candy a Bubba Smith, senza contare lo stesso Brooks) a vent’anni di distanza dalla sua uscita Balle spaziali e’ divenuto un vero e proprio cult della comicità di quel periodo e ha ottenuto paradossalmente più fortuna con il passare del tempo, come prodotto stagionato, icona di un’epoca, piuttosto che fresco di premiere, nel 1987.

La trama è semplice ma esilarante: ricalcando (e storpiando) le orme di Guerre Stellari, Balle spaziali racconta le peripezie della bella principessa Vespa, giovane sovrana del pianeta Druidia affiancata dalla sua inseparabile robottina Doroty, e del suo incontro/scontro con l’affascinante mercenario Stella solitaria, sempre in coppia con l’amico “canuomo” Rutto (parodie l’uno di Han Solo e l’altro di Chewbacca).

Fuggita da palazzo a bordo della sua bianca mercedes spaziale per evitare le nozze con il soporifero principe Valium, la principessa Vespa è ricercata dal perfido e ridicolissimo Casco nero che intende prenderla in ostaggio per ricattare suo padre, Re Rolando, e potere così privare il pianeta Druidia della risorsa di cui gli Spaceballs sono alla disperata ricerca: l’aria.

Dopo mille peripezie, Stella Solitaria e Rutto salvano la principessa distruggendo la nave spaziale di Spaceball (che ha assunto nel frattempo l’improbabile forma di una donna con l’aspirapolvere) e recuperando così l'aria sottratta all’atmosfera.

L’happy end di rito vedrà da una parte i due protagonisti sposi innamorati e felici e dall’altra i sempre più sfigati Spaceballs (o meglio: quel che ne resta) dispersi impietosamente sul pianeta delle scimme, dove, in chiusura, un abitante, vedendoli atterrare, esclamerà: “Spaceballs?! E’ l’inizio della fine…”

Alcune curiosità:

- Esiste un film intitolato “Balle spaziali 2: la vendetta”, ma in realtà questa pellicola (che in originale si intitola “Martians Go Home”) non è in alcun modo opera di Brooks né ha nulla a che fare con l’originale Balle Spaziali; si tratta semplicemente della scelta del distributore italiano di cambiare il titolo in modo da sfruttare appieno l’onda del pur modesto successo ottenuto dal film di Brooks nel nostro paese.

- John Candy, altrimenti noto come ‘il più abbracciabile di Hollywood', ci ha lasciato all’età di 44 anni, improvvisamente stroncato da infarto. La stessa sorte era toccata anche a suo padre, morto a 35 anni per la medesima causa durante le riprese del film Wagons East! (1994).

- Vi ricordate l’infermiera bionda e prosperosa spupazzata dal chirurgo plastico pronto a ridare alla principessa Vespa il suo vecchio naso se suo padre non rivelerà a Casco nero il codice segreto che sta cercando? Riconoscerla e’ praticamente impossibile, eppure si tratta di una giovanissima Brenda Strong, celebre interprete del personaggio di Mary Alice Young in Desperathe Housewives.

- Nell’84 John Candy (Rutto) ha interpretato il ruolo di Freddie Bauer nel film “Splash: una sirena a Manhattan”. Nello stesso anno Bubba smith, che in Spaceballs impersona uno dei soldati della nave spaziale di Casco nero, è stato anche il possente poliziotto Hightower di Scuola di Polizia. Nell’ 89 Rick Moranis ha interpretato i personaggi di Louis Tully e Vinz Clortho nel film dei Ghostbusters e ha recitato come attore protagonista in “Tesoro mi si sono ristretti i ragazzi” . La mitica Daphne Zuniga, invece, è diventata negli anni 90 la fortissima Jo Reynolds di Merlose Place. Nel 2001 George Wyner ha recitato in American Pie 2.

- Nel settembre 2004 è stata annunciata una continuazione di Balle Spaziali, che sarebbe dovuta uscire nel 2005 in occasione dell'uscita dell'ultimo film della saga di Guerre Stellari, Episodio III - La vendetta dei Sith, ma ad oggi non si ha nessuna notizia ulteriore. Mel Brooks ha affermato «al peggio un anno dopo l'Episodio III di Guerre Stellari». Il titolo non è ancora stabilito, ma in passato Brooks ha dichiarato che gli sarebbe piaciuto un sequel chiamato "Spaceballs 3: alla ricerca di Spaceballs 2". Teniamo dunque incrociate le dita e... che lo sforzo sia con noi!

BIM BUM BAM con il nostro amico Uan

2007-09-10T08:15:00.000+02:00

Alcuni dei ricordi più spensierati e nostalgici dei miei tranquilli pomeriggi da bambino sono legati a questa fantastica trasmissione che, negli anni 80, non ha temuto rivali nel campo della tv per ragazzi. Trasmessa per la prima volta il 4 luglio 1982 alle ore 17:00 su Antenna Nord, nel 1983 Bim bum bam fu trasferita su Italia 1 dove tornò, in seguito a una parentesi di sei anni (dal 91 al 97) su Canale 5, fino al 2000.
In realtà, più che di una classica trasmissione televisiva si dovrebbe parlare di un contenitore eterogeneo all’interno del quale era riservato largo spazio, oltre ai cartoni animati più belli, anche a brevi e scherzosi sceneggiati made in Italy, come gli imperdibili BatRoberto o Perry Nason (entrambi interpretati da Roberto Ceriotti), alla lettura delle letterine o a partite avvincenti alle versioni giganti di alcuni fra i giochi MB più popolari (da Hotel a Spago Spaghetti, da Forza Quattro a Sapientino), fedelmente riprodotti in studio.

Fra i tanti presentatori che si susseguirono nella conduzione di Bim bum bam è doveroso ricordare il mitico Piolo (meglio conosciuto come Paolo Bonolis), la dolcissima Manu (Manuela Blanchard), le inossidabili Debora Magnaghi e Carlotta Pisoni Brambilla, il ragazzo della porta accanto Marco Bellavia, l’occhialuto Davide Garbolino (celebre doppiatore di Jonny, in “E’ quasi magia Jonny”), Carlo Sacchetti (l’omone di Karlenstein) e Roberto Ceriotti (l’indimenticabile Bat-Roberto. Ad affiancare ciascuno di loro nel corso della trasmissione c’era la più divertente e spassosa fra le mascotte di Italia 1:

Uan (sì, si scrive proprio così), un pupazzone rosa dalla voce rauca e la battuta sempre pronta che non mancava di prendere spesso in giro gli altri, mostrandosi però sempre tenero e generoso.

Qualche curiosità:

- Il pupazzo Uan era stato ideato e animato dal Gruppo 80 e aveva la voce di Giancarlo Muratori, scomparso nel ‘95. Durante la trasmissione Uan indossava una maglietta Benetton 012

- Accanto a Uan arrivò, a partire dal 1990, un altro pupazzo: si trattava di Ambrogio, doppiato da Daniele Demma

- Nel 2001, i pupazzi Uan, Ambrogio e Five (simbolo di Canale 5, doppiato da Marco Columbro) furono donati alla Scuola di Arte Drammatica "Paolo Grassi" di Milano. La notte del 15 Ottobre 2005, i tre pupazzi furono rubati e ancora oggi rimane un mistero la loro sparizione, aggravata anche dal fatto che essendo di fattura artigianale, ne esistono pochissime copie.

- La voce fuoricampo del Signor Brandolin, impersonata dallo stesso doppiatore di Uan, sgridava ripetutamente Bonolis in modo autoritario (ma scherzoso). La voce di Brandolin entrava sempre in scena urlando il nome del conduttore seguito da uno squassante ruggito, e divenne una specie di tormentone per i bambini dell'epoca.

- L’edizione del 1982 è stata condotta da Paolo Bonolis insieme a Sandro Fedele e Marina Morra, tutti provenienti dalla trasmissione Rai "3,2,1... contatto!". Nel 1983 la conduzione fu affidata a Licia Colò, sostituita poi l'anno seguente da Manuela "Manu" Blanchard

- Nel 1983 Bim bum bam vinse il telegatto come miglior programma per ragazzi.

Cliccate qui accanto per vedere come sono diventati (o meglio, rimasti!) alcuni degli storici conduttori della trasmissione!

Non perdetevi uno dei siti ufficiali di bim bum bam: http://bimbumbam.altervista.org/

Su youtube sono presenti alcune puntate del mitico Batroberto!!

http://www.youtube.com/watch?v=Sw9eXqS8qBg

80 mi dà tanto: IL COMMODORE 64

2007-08-27T14:10:00.001+02:00

Gli anni 80 del mondo informatico possono essere brevemente riassunti in due sole parole: Commodore 64. Questo nome, che sostituì la sigla “Vic-30” scelta inizialmente dalla casa costruttrice, la Commodore Business Machine, identifica il modello di computer più venduto al mondo, con oltre 30 milioni di esemplari distribuiti e un record d’incassi da Guiness dei primati nel 1986 (solo in quell’anno, infatti, furono acquistati più di 10 milioni di esemplari).

I principali punti di forza del Commodore 64 consistevano nella semplicità d'uso e di programmazione oltre che nel prezzo di vendita mediamente abbordabile (dimezzato rispetto a quello di Apple II, suo atavico rivale). Anche l’utente meno esperto aveva la possibilità di imparare a scrivere agilmente programmi semplici o complessi, o di dare libero sfogo alla propria fantasia grazie all’infinita gamma di giochi disponibili (circa 5 mila videogame commerciali cui si aggiungono almeno 13 mila realizzaziati amatorialmente). I supporti grazie ai quali era possibile installare videogiochi e programmi di vario tipo erano le mitiche cassette (tecnicamente definite Datasette), storiche progenitrici dei non troppo lontani floppy disk.

I lunghi tempi di caricamento che le cassette richiedevano erano dovuti al sistema di controllo effettuato sui dati, che prevedeva di salvare e caricare il programma due volte. Nonostante non fossero propriamente dei fulmini di guerra, le cassettine del Commodore 64 sono state la memoria di massa maggiormente diffusa nel nostro paese come nel resto d’Europa, e ancor oggi i più nostalgici le ricordano con quel gusto di divertita aberrazione che non manca di suscitare piacere. Entrato già a fine decennio in età di prepensionamento, il Commodore 64 subì nel corso degli anni 90 il definitivo colpo di grazia inferto dal travolgente boom di vendite ottenuto dagli attuali Personal Computers. Tuttavia, chi volesse riprovare l’emozione di vedere risplendere la famosissima schermata blu con l'avviso "Ready” nell’attesa che si carichi un gioco, può farlo sul proprio Pc dopo aver scaricato gratuitamente dal sito ufficiale ( http://www.c64.com/ ) il più famoso emulatore per Commodore 64 insieme, naturalmente, a tutti i videogames che desiderate riavere. Joystick alla mano dunque: l’Home Computer a 8 bit più famoso del mondo è tornato!

20 anni di PROFESSIONE VACANZE

2007-08-02T16:37:00.002+02:00

Nel 1987 Italia 1 manda in onda in prima serata una breve serie di 6 episodi che celebrano la popolare figura dell’animatore turistico, personaggio intramontabile del divertimento targato anni 80. Protagonista indiscusso della mini serie è l’impareggiabile Jerry Calà, che veste i panni del simpaticissimo Enrico, un perdigiorno intraprendente e un po’ sfigato con la battuta sempre pronta e un’aria da improbabile farfallone, che diventa direttore del villaggio vacanze di Cala Corvino (in provincia di Bari) nel tentativo di risollevarne gli incassi, al motto di “voglia di lavorare saltami addosso… però prima avvertimi così mi scanso".

A rendergli la vita più facile (o incasinatissima, a seconda dei punti di vista) ci sono il factotum sardo Safà, la cameriera Caramella, la scenografa Lila, dal maestro di surf Eddy e il cuoco Maurizio.

Ironici, solari e senza grosse pretese di credibilità, le storie e i personaggi intorno a cui ruotano le vicende raccontate sono davvero molto piacevoli e ben congeniati.

Parecchi, inoltre, i volti dello spettacolo che sono passati attraverso i set di questo telefilm: da Gegia (Caramella) a Jenny Tamburi (Lila), icona della commedia sexy all’italiana; da Sabrina Salerno a Mara Venier (Olimpia); da Claudio Amendola (il calciatore Palombelli) a Isabella Ferrari (un’altra vittima del playboy Enrico), senza dimenticare il grande Teo Teocoli.

Vent’anni esatti dalla realizzazione della serie, le sei puntate di “Professione Vacanze” continuano ad essere trasmesse, ogni estate, sulle reti mediaset o da qualche canale satellitare.
Fortissima anche la sigla, con un Jerry Calà in versione cartone animato che è uno spettacolo tutto da gustare: http://www.youtube.com/watch?v=G-YdrneGGok

Approfitto di questo post per augurare a tutti voi, miei cari e appassionati divoratori di blog sugli anni 80, un mare di belle vacanze!

Il blog rimarrà chiuso a partire da oggi per una settimana.

Nel frattempo farò in modo di portare una fresca ventata di anni 80 in terra spagnola!
Buona estate a tutti e, come direbbero i Righeira, vamos a la playa!!!

Con CRYSTAL BALL il mondo cambia colore

2007-08-01T09:37:00.000+02:00

Negli anni 80 entusiasmare un bambino era ancora impresa facile: una cannuccia di plastica dura e una piccola noce di pasta gommosa, unite a un po’ di sana fantasia e a tanta voglia di impiastrarsi, bastavano a garantire un mondo (gonfiabile) di puro divertimento.
Il merito era di Crystal Ball, un tubetto contenente un preparato sintetico disponibile in quattro tinte differenti (rosso, blu, giallo e verde) che, se riempito d’aria, si ingrossava al punto da assumere le sembianze di uno spassosissimo palloncino colorato. Complice uno spot davvero accattivante, corredato da un jingle che difficilmente dimenticheremo, Crystal Ball è diventato, fra tutti i giocattoli di quel periodo, uno degli svaghi preferiti dai più piccoli e, insieme, il terrore delle mamme, allarmate dal timore che i palloncini colorati, scoppiando, potessero lasciare spiacevoli macchie in giro per casa.
Oggi in alcuni centri commerciali lo si può ancora trovare in vendita, con una nuova formula studiata per eliminare i difetti della precedente (l'odore è meno forte e le bolle sono meno appiccicose, ma la consistenza è la stessa). Anche nel 2007, dunque, con Crystal Ball il mondo cambia colore!

Per chi volesse ripassarsi lo spot:

http://www.youtube.com/watch?v=yvNs7525z_U

T come TINA, T come TURNER

2007-07-24T10:24:00.000+02:00

Grintosa, trascinante ed eternamente giovanile, con un paio di gambe da copertina e una vagonata di sex appeal tale da far impallidire una ventenne, Tina Turner (vero nome Anna Mae Bullock, nata a Nutbush il 26 novembre 1939), oggi meravigliosa signora sessantottenne, è senza dubbio una delle cantanti statunitensi più celebri nel mondo della musica rock e del soul internazionale, oltre che un mito senza tempo e senza eguali. Dopo un inizio a soli 10 anni come corista gospel nella chiesa battista della sua città nel Tennessee, trasferitasi a St. Louis insieme alla sorella, Tina incontra il musicista Ike Turner, enfant prodige di pianismo blues e talent-scout per svariate etichette, con cui realizza, oltre a un matrimonio di breve durata, le primissime produzioni discografiche (nel 1958 il brano d’esordio Little Ann, seguito nel 1960 da A Fool In Love sino ad arrivare, nel 1971, a Proud Mary, uno dei capisaldi del suo repertorio) divenendo la lead singer del gruppo "Ike & Tina Turner Revue".
Gli anni 70 la portano, complice il divorzio dal marito, tmomentaneamente lontana dalle scene musicali. Ma il tempo perso è grandiosamente recuperato negli anni 80, con una serie di successi internazionali destinati a lasciare il segno.
Il suo singolo Let's stay together, cover di una canzone di Al green's, entra immediatamente tra i primi posti delle classifiche di inizio ‘84. Il secondo singolo, What's love got to do with it, diventa uno dei pezzi più venduti dell'anno e resta per tre settimane al numero uno.
Il suo album "Private Dancer" include due nuovi pezzi da top ten: la title-track insieme a Better be good to me. Nel 1985 prende parte al cast di “Mad Max: oltre la sfera del tuono” (con Mel Gibson) e interpreta la canzone-tema del film, We don't need another hero, che si piazza al secondo posto della hit-parade. È il momento più importante della sua carriera: duetta con Mick Jagger in Live Aid, uno dei più grandi eventi musicali della storia, si esibisce in concerti in luoghi suggestivi come il Maracanà di Rio de Janeiro e con grandi cantanti del calibro di Bryan Adams, Rod Stewart, Elton John, David Bowie ed Eric Clapton.

Oltre ad altri album di successo - "Break Every Rule" (1986), "Foreign Affair" (1989) e "Golden Eye" (1995) Tina si improvvisa anche scrittice e dà vita a un’autobiografia che diventa subito un bestseller da cui nascerà anche un film intitolato What's Love Got To Do With It.
Pur non calcando più le scene da 7 lunghi anni (l’ultimo concerto è del 2000, al Wembley Stadium di Londra) è stata recentemente pubblicata una sua raccolta di successi, "Tina Turner all the best hits", che ripercorre tutte le tappe della sua lunga e fortunata carriera, la cui canzone più rappresentativa rimane senza ombra di dubbio la mitica The best (senza il simply!) del 1989.

GIOCA JOUER nel 2007 come nell'82

2007-07-16T08:51:00.000+02:00

Pensavamo di essercene liberati per sempre, e invece ci sbagliavamo: per la gioia o il terrore di tutti torna, dopo un quarto di secolo, il memorabile gioca jouer, con un video tutto nuovo per festeggiare i suoi 25 anni. Le riprese sono state realizzate fra l’America, l’Africa, l’Europa, l’India e la Cina e il filmato è stato tradotto anche in inglese, francese, spagnolo, tedesco e cinese. Alcune parti della traccia vocale sono state recuperate dalla registrazione originaria, quella che ha per vocalist un Claudio Cecchetto anni 80 no limits.

Le mosse proposte sono sempre le stesse (dormire, salutare, autostop, starnuto, camminare, nuotare, sciare, spray, macho,clacson, campana, ok, baciare, capelli, saluti, saluti, Superman) ma questa volta a simularle c’è gente agghindata e collocata nei modi e nei luoghi più disparati.
Cecchettari di ogni parte del mondo, dunque, unitevi: è arrivato (o meglio, ritornato) il vostro momento!

Per vedere il nuovo video cliccate qui e spingete play:
http://www.giocajouer.cc/videoita.htm

Bye bye Mr. KINDERKIND

2007-07-13T09:21:00.000+02:00

Günter Euringer ha sorriso agli adulti e ai bambini italiani e di mezzo mondo sugli scaffali di tutti i supermercati negli ultimi 38 anni. Ma nulla è per sempre e persino lui, l’originale bambino della Kinder, è stato mandato in pensione dall'ufficio Marketing della Ferrero. Già da un paio d'anni, infatti, l'azienda di Alba ha ridisegnato la confezione delle famose barrette di cioccolato, scegliendo di cambiare il volto del suo longevo testimonial.

Addio dunque al caschetto anni 70 (anzi, anni 60: la vecchia foto è del 1968), a quella camicina a righe bianco-rosse e al faccino pulito da bravo scarrafone: adesso al suo posto c'è un ragazzino di Bologna dal viso pienotto, la polo arancione e il sorriso un po' da castoro.

Risultato: una mezza rivolta su internet con la Ferrero bombardata di email, l’apertura di un frequentatissimo blog da parte di due adolescenti campani ( http://www.bambinokinder.splinder.com/ ) e l’ex Kinderkind che esce allo scoperto pubblicando “Das kind der schokolade”, la propria autobiografia. Ecco alcune sue dichiarazioni:

- “I dolci non sono mai stati una mia passione e il Kinder Cioccolato è entrato in casa mia di rado, portato da qualcun altro. Io della celebrità sono stato orgoglioso solo all'inizio, per scherzare con i miei compagni di scuola, poi basta. Mi faceva sorridere quando qualche cassiere di drogheria mi riconosceva. Poi per fortuna sono cresciuto e cambiato. I miei mi hanno educato a essere modesto e discreto, alla mia privacy ci tengo".

- "Durante la mia prima seduta fotografica mi facevano in continuazione sorridere, e mentre lo facevo tra me e me insultavo più pesantemente che potevo il fotografo. E' la prima cosa a cui pensavo sempre quando mi rivedevo sulle confezioni Kinder".

- "Tutti pensano che sia diventato ricco. E in effetti lo ero, quei soldini alla mia età non erano pochi. Mia madre me li mise in banca fino alla maggior età, ma li usai per pagare delle multe prese in motorino. Avrei potuto chiedere che mi fossero riconosciuti tutti i diritti sull'immagine, ma non mi importava".

- "La mia foto l’hanno ritoccata quasi ogni anno, in realtà. Cose davvero minime, ma percepibili. Anzi, era un gioco per me al supermercato vedere se trovavo nuovi cambiamenti. La mia palpebra destra è stata un po' sollevata, i capelli ritinti, le labbra arrossate, e il sorriso è diventato sempre più bianco. Ma ero sempre io. A parte le orecchie: il caschetto me le copriva del tutto, così aggiunsero quelle di un altro, al computer".

Günter Euringer oggi è un 44enne di Monaco sposato con due figli e, dopo aver tentato vari mestieri (dall'autista al commesso viaggiatore), è tutt’ora impegnato come cameraman in uno studio nella capitale della Baviera dove ha preso parte alla riprese dell’Ispettore Derrick e alla registrazione di svariati spot pubblicitari.

Ritorno agli anni 80, RITORNO AL FUTURO

2007-07-12T09:42:00.005+02:00

Vera, grande, unica e intramontabile icona del cinema anni ottanta, quella di Ritorno al futuro è una trilogia di pellicole fantascientifiche di enorme successo, il cui primo capitolo fu proiettato nelle sale nel 1985.
I tre film sono ambientati ad Hill Valley, cittadina immaginaria della California, e narrano una serie di peripezie a cavallo di varie epoche della storia americana (su e giù fra il 1955, il 1985, il 2015 e il 1885) affrontate dal giovane Marty McFly (Michael J. Fox) e dal suo compagno di viaggi e d’avventure, lo stravagante scienziato Emmett "Doc" Brown (Christopher Lloyd), inventore di una bizzarra macchina del tempo ricavata da un'autovettura De Lorean DMC-12.
Nel corso dei tre episodi i due si trovano a dover lottare contro il tempo per risolvere una serie di problemi passati che potrebbero stravolgere la realtà presente, come il mancato matrimonio dei genitori di Marty negli anni cinquanta, la morte di Doc a causa di un feroce pistolero nel 1885, o
l'uccisione del padre di Marty per mano del suo eterno rivale Biff Tannen.

Divertente e ben congegnato, con un abile miscuglio di nostalgia, comicità ed effetti speciali, il film punta sul gioco dei paradossi temporali e affronta soprattutto l’idea che nessun ragazzo riesca davvero a concepire che i suoi genitori siano stati anch’essi, un tempo, giovani come lui.

Qualche curiosità:

- La genesi del progetto "Ritorno al futuro" si deve ad una circostanza fortuita, capitata al produttore e sceneggiatore Bob Gale nel 1980: impegnato a sgomberare la soffitta di casa, Gale trovò il diario di classe del padre e scoprì che il proprio genitore era stato capoclasse. Incuriosito dalla circostanza, cominciò a interrogarsi se all'epoca lui e il padre avrebbero potuto diventare amici, oppure se sua madre era davvero quella ragazza virtuosa che diceva d'essere stata. Ne parlò con l'amico Robert Zemeckis, ed insieme a lui cominciò ad abbozzare una sceneggiatura per trarne un film.
A realizzare il film ci pensò poi Steven Spielberg, che si impegnò nella produzione tramite la sua
factory Amblin Entertainment.

- L'emergente Michael J. Fox non fu scelto subito come protagonista poichè all'epoca era già impegnato sul set della sit-com Casa Keaton. I produttori dovettero perciò ripiegare su Eric Stoltz, ma dopo 6 settimane di riprese Zemeckis lo licenziò, ritenendolo non adatto alla parte. Fox, nel frattempo, aveva manifestato la sua disponibilità e riuscì ad ottenere la parte alternando le riprese sul set televisivo (di giorno) con quelle del film (di notte).

- In una delle prime stesure della sceneggiatura la macchina del tempo era un frigorifero nel quale rinchiudersi per effettuare il salto temporale: Steven Spielberg, produttore esecutivo della trilogia, cambiò lo script perché temeva che i bambini avrebbero iniziato a chiudersi dentro i frigoriferi per imitare il protagonista.

- Il cantante Huey Lewis, autore della canzone The Power of Love contenuta nella colonna sonora del film, fa una fugace apparizione nel ruolo del professore di liceo che valuta i gruppi che suonano nella scuola.

- All'inizio del film Doc dà appuntamento a Marty nel parcheggio del centro commerciale Twin Pines Mall (letteralmente I pini gemelli) dove gli mostra per la prima volta la macchina del tempo. Tornato indietro al 1955, Marty travolge accidentalmete uno dei giovani pini, di recente piantati dal fattore Peabody proprietario del terreno. In questo modo determina la trasformazione del nome del centro commerciale, che al suo ritorno al 1985 si chiama infatti Lone Pine Mall (Il pino solitario).

- Billy Zane, che interpreta il bullo Match qui e in Ritorno al futuro parte II (1989), nel 1997 fu anche nel cast di Titanic.

- Il 44enne attore canadese Michael J. Fox, affetto da una forma precoce del "Morbo di Parkinson" da diversi anni, ha rilasciato un'intervista al sito Moviehole.net in cui afferma di essere in trattativa per girare il sequel di "Ritorno al futuro" che lo vedrebbe nuovamente sulle scene, questa volta nei panni di Doc!

Qualche video da non perdere:

- il trailer della trilogia: http://www.youtube.com/watch?v=gGeEbDTNzos
- la scena della locomotiva che spinge la Delorean: http://www.youtube.com/watch?v=4tt4v8uA2rY
- gli errori sul set di Ritorno al futuro 2: http://www.youtube.com/watch?v=SBhuQko2IFM

DOLCE FORNO o FRIGGI FRIGGI ?

2007-07-03T16:11:00.001+02:00

Negli anni 80 a contendersi il premio “piccoli chef improvvisati crescono” sono due diverse ditte di giocattoli: Harbert VS Giochi preziosi. Due scuole di pensiero differenti, un unico obiettivo: divertire! Chi di noi, del resto, vedendo la mamma o la nonna alle prese coi fornelli di casa, non ha mai provato il desiderio di chiudersi in cucina, pronto a cimentarsi in rosticci e pasticci senza dosi né moderazione? A questo ci hanno pensato prima la Harbert, col suo storico Dolce Forno, e poi la Giochi preziosi, con la spiritosissima Friggi friggi. Il Dolce Forno era un vero e proprio fornetto in miniatura, capace di cuocere i cibi con il calore di due comuni lampadine da 100 Watt, corredato di ciotoline, teglie, un piccolo mattarello ed un mini libro per le ricette. Semplicemente geniale. Della stessa linea furono poi commercializzati anche altri prodotti, sempre per piccoli apprendisti cuochi e pasticceri (dalle crêpes alle granite, dai gelati alle patatine).

Dal canto suo la Giochi preziosi si preoccupò di soddisfare i sogni rosolati dei mini amanti del fritto all’italiana, lanciando sul mercato la mitica Friggi friggi: a differenza del Dolce Forno che, seppur debolmente, funzionava sul serio, questa piastra era invece un semplice giocattolo col quale cucinare (per finta) bistecche e hamburgers in quantità; il divertimento stava nell’osservare i pezzi di carne che, pian piano, cambiavano colore per davvero, passando così da simil-crudi a finti fritti nel giro di poco.

Strofinando poi le bistecche, grazie al calore delle mani, si riusciva a riportarle al rosa chiaro pre-frittura, e il gioco poteva essere ripetuto all’infinito.
Tanto di cappello ai suoi creatori.
E voi, nella lotta fra Harbert e Giochi preziosi, per chi tenete?
Quale avreste voluto avere o quale avete realmente avuto da piccolini? Vinca il migliore!

Denaro, pop music e acqua ossigenata

2007-07-01T14:40:00.001+02:00

Stefano Zandri, nato il 4 giugno 1962 a Nova Milanese, comincia a farsi conoscere dal grande pubblico a partire dal 1983 con il nome d’arte (se proprio d’arte vogliamo parlare) di Den Harrow, assonanza demenziale nonché traduzione maccheronica della parola italiana “denaro”. Dopo un inizio come fotomodello nella Milano dei primi anni 80, Den pubblica To Meet Me, il suo singolo d’esordio, grazie all’allora punkettaro poco più che vent’enne Enrico Ruggeri, e nell’85 lancia Overpower, il suo primo album.

Le hit più famose (diciamo pure “famose”) firmate Dan Harrow sono Mad Desire, Catch the Fox e Bad Boy, grazie alla quali verso la fine degli anni 80 taglia il traguardo dei 20 milioni di dischi venduti ( 1987 Day by day; 1988 Lies ; 1989 The best of Den Harrow).

Pensate che nel 1988 è rimasto in classifica in Germania ed Inghilterra per dodici mesi ininterrotti, conquistando addirittura un Grammy ai danni dell’impareggiabile Micheal Jackson! Non contento, considerato il successo internazionale ottenuto cantando in inglese, Stefano/Dan/Denaro/Harrow ha persino avuto l’idea di utilizzare un ulteriore pseudonimo al proprio nome d'arte, presentandosi alle varie interviste come Manuel Stefano Carry ed asserendo d'essere nato negli USA, a Boston.

Che l’acqua ossigenata gli fosse arrivata al cervello? Recentemente apparso nell’ultima edizione del reality “L’isola dei famosi”, oggi di lui, più che i dischi, rimangono le lacrime versate in diretta tv all’idea che la fidanzata potesse tradirlo.

Per chi se le fosse perse:

http://www.youtube.com/watch?v=29FpJUZEBOU

SANREMO negli anni 80

2007-06-29T08:24:00.000+02:00

Ecco la lista dei vincitori (insieme ai secondi e ai terzi posti) che hanno trionfato sul palco dell'Ariston nel corso dei vari Festival di Sanremo degli anni 80!

E voi quale preferite?

1980
1) Toto Cutugno con Solo noi
2) Enzo Malepasso con Ti voglio bene
3) Pupo con Su di noi

1981
1) Alice con Per Elisa
2) Loretta Goggi con Maledetta primavera
3) Dario Baldan Bembo con Tu cosa fai stasera?

1982
1) Riccardo Fogli con Storie di tutti i giorni
2) Al Bano Carrisi e Romina Power Felicità
3) Drupi con Soli

1983
1) Tiziana Rivale con Sarà quel che sarà
2) Donatella Milani con Volevo dirti
3) Dori Ghezzi con Margherita non lo sa

1984
1) Al Bano Carrisi e Romina Power con Ci sarà
2) Toto Cutugno con Serenata
3) Christian con Cara

1985
1) Ricchi e Poveri con Se m'innamoro
2) Luis Miguel con Noi ragazzi di oggi
3) Gigliola Cinquetti con Chiamalo amore

1986
1) Eros Ramazzotti con Adesso tu
2) Renzo Arbore con Il clarinetto
3) Marcella Bella con Senza un briciolo di testa

1987
1) Gianni Morandi, Enrico Ruggeri, Umberto Tozzi con Si può dare di più
2) Toto Cutugno con Figli
3)Al Bano Carrisi e Romina Power con Nostalgia canaglia

1988
1) Massimo Ranieri con Perdere l'amore
2) Toto Cutugno con Emozioni
3) Luca Barbarossa con L'amore rubato

1989
1) Anna Oxa e Fausto Leali con Ti lascerò
2) Toto Cutugno con Le mamme

3) Al Bano Carrisi e Romina Power con Cara terra mia

Un'americana fra le cicale: gli anni 80 di HEATHER PARISI

2007-06-24T02:06:00.000+02:00

Oggi splendida quarantasettenne, Heather Parisi (Hollywood, 27 gennaio 1960) inizia la sua carriera artistica nel lontano 1978 quando, durante una vacanza in Italia, viene scoperta dal coreografo Franco Miseria che dopo averla notata in una famosa discoteca romana la presenta a Pippo Baudo, regalandole l’occasione di una vita: Heather inizia così a muovere i primi passi nel mondo dello spettacolo italiano come ballerina talentuosa ma semi sconosciuta. Il debutto ufficiale avviene nel 1979 con lo show televisivo “Luna Park”, che le assicura la grande popolarità di cui tutt’oggi gode. Piovono copertine, spot pubblicitari, interviste e partecipazioni, oltre che il primo singolo (Black Out) e, nel 1980, la prima tournée in giro per la penisola.

L’81 è l’anno di Cicale che, insieme a La notte vola della Cuccarini, è senza dubbio una delle canzoni più conosciute e rappresentative di tutti gli anni 80 made in Italy. Questo brano, nato come sigla del programma “Fantastico 2” e corredato da un balletto non particolarmente indicato per chi soffre d’artrosi, porta la sua interprete al primo posto delle classifiche di vendita facendole conquistare, oltre a una vasta notorietà, anche il disco d’oro.

Nello stesso periodo esce il suo primo 33 giri, Cicale & Company, un concept album che racconta alcune spiritose storie di vita attraverso l’insolita metafora degli insetti. Il 1983 è invece l’anno di “Al Paradise”, lo show televisivo in cui Heather balla in coppia con Raffaele Paganini proponendo una nuova sigla, Radiostelle , che è ancora un successo. Nell’83 arriva la quarta edizione del varietà della Lotteria Italia, “Fantastico 4”, la cui sigla è il brano Ceralacca, che riporta la biondina hollywoodiana in Hit Parade con tutto l’album Ginnastica fantastica (in cui Heather non solo canta ma insegna gli esercizi per tenere il corpo in forma).

Poi il 1984 con “Fantastico 5” e Crilù, il nuovo 45 giri scelto come sigla della trasmissione e riproposto nell’85 in un medley con One Night In Bangkok (dal titolo Crilù in Bangkok). L’86 è l’anno della sigla Teleblù, ennesimo successo, e del debutto cinematografico con la commedia all’italiana “Grandi magazzini”.

Nell’87 esce il singolo Dolceamaro e la signora Parisi viene invitata da Adriano Celentano a partecipare alla nuova edizione di “Fantastico”. Infine, nel 1989 arriva “Stasera Lino”, il varietà condotto in coppia con Lino Banfi in cui, oltre a ballare e cantare sulle note del 45 giri Faccia a Faccia, Heather ha la possibilità di esprimere anche la sua vena di attrice brillante grazie a una serie di gag e scenette divertenti recitate in coppia con il celebre comico barese. Nello stesso anno la Parisi cambia rete, giorno e partner televisivo: dal sabato al venerdi sera, su Canale 5, in coppia con Johnny Dorelli. La trasmissione si chiama “Finalmente venerdì” e Heather lancia la sua nuova sigla, Livido, l’ultima degli anni 80, il cui video la presenta nelle vesti di una sexy donna di casa. La sua carriera prosegue negli anni 90, con l’incisione di qualche disco dance e la conduzione di Bellezze al bagno. Poi il matrimonio, la prima figlia e un po’ di teatro.

Oggi il suo ruolo televisivio è pressoché concluso, limitandosi a qualche comparsata in programmi altrui. Resta tuttavia il mito del suo personaggio, il ricordo indelebile di una grande professionista della danza, che è anche un punto di riferimento insostituibile per le nuove leve del ballo moderno. Come dire: Parisi c’est toujour Parisi.

LAMBADA OBSESSION

2007-06-23T02:23:00.000+02:00

Nella seconda metà degli anni ottanta l’Occidente scopre e si innamora della Lambada, antica danza boliviana portata al successo in lingua portoghese dal gruppo francese Kaoma.
Il ritmo trascinante della melodia, interpretata da una voce femminile passionale e ammiccante (vedi foto in basso), sprigiona una carica erotica tale da far impallidire anche un tango, garantendo a questo brano la conquista dei vertici delle hit parade con oltre cinque milioni di copie vendute in tutto il mondo.
Insieme alla canzone nasce anche un modo del tutto particolare di ballare, uno stile di danza provocante e disinibito in cui i corpi dei ballerini si stringono in una “morsa genitale” che lascia molto spazio alla libera interpretazione.
Un vero must degli anni 80, con un testo che è tutto un programma:

chorando se foi quem um dia so me fez chorar
chorando se foi quem um dia so me fez chorar
chorando estara, ao lembrar de um amor
que um dia nao soube cuidar
chorando estara, ao lembrar de um amor
que um dia nao soube cuidar

Ed ecco la cantante dei Kaoma oltre 20 anni di Lambade dopo!

Demenziale è geniale: il DRIVE IN

2007-06-17T14:59:00.001+02:00

Domenica 11 ottobre 1983, ore 20:30: Italia 1 manda in onda per la prima volta “Drive In”, un varietà comico-satirico ideato da Antonio Ricci e divenuto una delle trasmissioni più emblematiche della neonata tv commerciale degli anni 80.
I segreti del successo del programma, oltre all’ambientazione tipicamente statunitense e agli interventi sexy delle maggioratissime ragazze fast food, memorabili vallette cotonate sui pattini a rotelle, furono soprattutto le carrellate ininterrotte di divertenti sketch comici coi loro personaggi demenziali, le parodie di film e telenovelas, le prese in giro di atteggiamenti e modelli di comportamento e, non meno importanti, i modi di dire divenuti veri e propri tormentoni (da “chi ha cuccato la Cuccarini?” a “pippo pippo pippo pippo”).
Nelle prime edizioni lo sfondo alle varie gag era proprio il Drive-in gestito da Enrico Beruschi e Gianfranco D'Angelo, che cercava sempre di fregare il socio in affari con l'aiuto di uno scaltro ed esilarante Ezio Greggio.
Tra i comici italiani passati alla storia grazie al loro insostituibile contributo, oltre ai suddetti, si ricordano Francesco Salvi, Zuzzurro e Gaspare, Giorgio Faletti, Teo Teocoli, Sergio Vastano, Carlo Pistarino, Enzo Braschi, Mario Zucca, i Trettrè, Lucio Salis e Massimo Boldi.
Tra i personaggi femminili, invece, è doveroso citare la procace Carmen Russo, la volatilizzata Tinì Cansino e l’inossidabile Lory
del Santo.

Ma qual’era, fra quelli proposti di seguito, il vostro personaggio preferito?

Mano alle tastiere:

A) Vito Catozzo, improbabile guardia giurata della "Spazialpol" impersonata da Giorgio Faletti
B) Raffaella Carrà con le sue lacrime “a fontana” nate dall’estro di Gianfranco D’Angelo
C) il paninaro interpretato da Enzo Braschi
D) Totano2, il camionista presentato da Francesco Salvi
E) il Pippo Baudo di Gianfranco D’angelo, col suo allevamento di parrucchini
F) il professor Zichichirichì, parodia by Ezio Greggio dello scienziato Antonino Zichichi
G) il Carlino, ossia lo scemo di Passerano Marmorito con il suo "giumbotto" reso celebre da Giorgio Faletti.
H) il signor Armando, alias Gianfranco D’Angelo, con la cockerina Has Fidanken
I) lo studente universitario calabrese fuori sede e fuori corso impersonato da Sergio Vastano
J) l’autista d’autobus di Carlo Pistarino
K) il tenerone di Gianfranco D’Angelo
L) il conduttore dell'Asta Tosta recitato da Ezio Greggio
M) Marina Dante delle Povere, ennesima creatura di Gianfranco D’angelo

Io voto B!! E voi?

Un rigurgito chiamato SGORBIONS

2007-06-13T10:05:00.000+02:00

Raccapriccianti? Vomitevoli? Rivoltanti? Come definire i personaggi più squallidi che la storia delle figurine abbia mai conosciuto? Forse il modo più semplice è chiamarli con il loro nome:
SGORBIONS. Una lunga e fantasiosa serie di bambini mutilati, scatarrati, deturpati, impataccati, trafitti e scorticati che hanno spopolato fra le pagine degli album e i banchi delle scuole della fine degli anni 80.
Divertentissimi i nomi, degni rappresentanti dei propri soggetti: da Gastone Bubbone, a Rina Catarrina, da Bice Cicatrice a Lorenzo Fetenzo passando per Roberto Ventreaperto e Clemente Mortovivente.
Il retro di ogni figurina riportava sempre qualche “sgorbionata”, un breve testo grottesco o un commento piuttosto idiota con il solo scopo di rincarare la dose di demenzialità del prodotto finale.
Nati negli Usa come parodia dei bambolotti Cabbage Patch Kids (nella foto accanto),
il loro nome originale è Garbage Pail Kids (i ragazzi della banda della spazzatura).
Distribuiti nelle edicole a partire dal 1985 per quattro anni di fila, pochi sanno che nel 1987 si tentò addirittura di farli approdare al cinema grazie a un film con attori veri rivelatosi un flop di dimensioni colossali.
Oltre che in forma di figurine e per mezzo di un lungometraggio, gli Stati Uniti proposero gli Sgorbions anche nelle vesti di cartone animato, ma a causa dell’insorgere di svariate associazioni per la tutela dei diritti dei minori la serie televisiva ebbe vita breve.
Nel 2001 i Garbage Pail Kids hanno fatto il loro glorioso ritorno grazie all’apertura di un sito ufficiale dove, inserendo i codici raccimolati con l’acquisto dei pacchetti di figurine, si possono ottenere dei crediti virtuali con cui far crescere il proprio Sgorbions personale.
Il voltastomaco continua.

E per gli amanti del trash (ma proprio trash):

- il trailer del film: http://www.youtube.com/watch?v=bv-2QY5fAr0

- la sigla iniziale del cartone: http://www.youtube.com/watch?v=OAHTFGwPxc0

- una carrellata di immagini della versione spagnola (La Pandilla Basura): http://www.youtube.com/watch?v=KweO6R5joX4

- il sito internet: http://www.garbagepailkidsworld.com/

LA STORIA INFINITA: vivere è sognare

2007-06-08T02:02:00.001+02:00

Tratto dall’omonimo best-seller dello scrittore bavarese Michael Ende (anno di pubblicazione del testo:1979), “La storia infinita” può essere ragionevolmente considerata una delle pellicole più
celebri e rappresentative di tutto il cinema “made in the 80’s”.

Protagonista è il piccolo Bastian (Barret Oliver), il classico bambino degli anni 80 vestito con una felpa infeltrita e pettinato a mò di scodella, che un bel giorno, scontento della propria vita (la madre è recentemente scomparsa, il padre lo trascura, i fastidiosi compagni di classe sono la sua croce quotidiana), si rifugia per sbaglio nella soffitta polverosa e cigolante della scuola trascinandosi dietro un vecchio libro di avventure da poco preso in prestito.

Il libro, che rivela subito la sue potenti doti magiche, racconta le peripezie del giovane Atreyu (Noah Hathaway), un intraprendente fanciullo guerriero che si batte con coraggio per difendere il mondo di Fantasia e la sua principessa, l’Imperatrice bambina (Tami Stronach), dall’avanzare della distruzione eterna, il Nulla.
Dopo aver solcato i cieli sulle ali del drago Falkor e percorso terre ostili in sella al fedele destriero Artax, sopravvissuto al passaggio per regioni irte di intralci e all’incontro con grottesche creature, Atreyu raggiunge finalmente l'Oracolo del regno di Fantasia, che gli indica il solo modo per salvare dalla devastazione la principessa: trovare un ragazzo terrestre che le doni un nome nuovo.

Quel ragazzo è Bastian, eroe per caso destinato a salvare il regno incantato proprio quando tutto sembra essere ormai andato perduto. Dall’unico granello di sabbia sfuggito alla furia del Nulla, infatti, sarà possibile, grazie ai sogni e ai desideri della gente, ricostruire il mondo di Fantasia da capo, come per la prima volta. La morale è semplice, saggia e di facile presa: per sopravvivere non bisogna smettere di sognare. Mai.

CURIOSITA':

- Il film, uscito nel 1984 e costato oltre 25 milioni di dollari (cifra record per una produzione tedesca), è stato realizzato negli studi della Bavaria Film di Monaco (tranne poche scene in esterno girate a Vancouver, Canada). E' possibile ammirare diverse parti del set originale nella visita guidata agli studi della Bavaria Film (Bavariafilmplatz 7), aperti da novembre a febbraio dalle 10 alle 15 e da marzo a ottobre dalle 9 alle 16.
Questo il sito ufficiale: http://www.filmstadt.de/

Ecco le immagini di alcuni dei personaggi del film esposti all'interno degli studi (clicca per ingrandire):

- La famosissima colonna sonora del film, "The Neverending Story", cantata dal secco e ossigenato Limahl (qui proposto nel consueto "com'era, com'è"), ha venduto più di 4 milioni di copie.

Per vedere il video:
http://www.youtube.com/watch?v=k82zw8lcl8w

- Michael Ende, l’autore del libro, profondamente indispettito dalla modalità di trasposizione cinematografica della sua opera, fece togliere il proprio nome dai titoli di coda concedendo tutt’al più un distaccato e amareggiato “liberamente tratto da”. Non contento aggiunse: “auguro la peste ai produttori. M'hanno ingannato. Quello che mi hanno fatto è una sozzura a livello umano, un tradimento a quello artistico”.

- Il piccolo Atreyu, nel corso delle riprese, ebbe un paio di lievi incidenti cadendo da cavallo e battendo la testa in una scena acquatica.

- Il magico medaglione che porta Atreyu - l'Auryn ("Splendore") – è oggi conservato dal regista Steven Spielberg nel suo ufficio.

- Riuscite a immaginare come sono diventati, ventitrè anni dopo, i personaggi del film? Ecco, in ordine di apparizione, Atreyu, l'Imperatrice bambina, il padrone della lumaca da corsa e il papà di Bastian:

Pioggia di POIS sugli anni 80

2007-06-04T21:21:00.001+02:00

Sono un classico dei Sixteen. Abustati, riveduti e corretti negli anni 80. Dimenticati nei 90.
Oggi stanno tornando, forse con un filo di moderazione in più.

Si tratta dei pois, fitta pioggia di irresistibili palline colorate capaci di rendere festosa e sgargiante anche una cassa da morto.

Diversi nelle dimensioni (dai puntini quasi invisibili ai pallini di piccola o media grandezza fino alle bolle enormi che quasi arrivano a congiungersi le une con le altre) e molteplici anche nei colori (bianchi e neri quelli classici; gialli, verdi, grigi, marroni e viola i più audaci) questi simpatici motivetti sferici garantiscono un figurone se stampati su t-shirt, scarpe e borsette.

Spesso proposti insieme ad altre fantasie per rendere ancora più personale ed estroso un capo o un accessorio, i pois hanno rappresentato, per gli anni 80, un must di impeccabile stile per chi voleva sdrammatizzare l’austerità di un completo total black o caricare con un'ulteriore nota kitsch un look già visibilmente appariscente. Quando si dice “avere le palle”…

ANNI 80 fra zucchero e pan di spagna

2007-06-01T09:55:00.000+02:00

Gli anni 80 sono stati, per eccellenza, il periodo del boom delle merendine confezionate.
Il top era consumarle dopo la scuola davanti ai cartoni della fascia pomeridiana, e con la scusa del “più latte e meno cacao” c’era chi se ne concedeva anche due o tre di fila (nulla di autobiografico, naturalmente).
Contendenti principali nella sfida per lo spuntino più sfizioso erano (e sono rimasti) Mulino Bianco, Kinder, Motta e Mr. Day.
La vastità della scelta era garanzia di soddisfazione anche per i palati più esigenti: snack morbidi o croccanti, merende semplici o ripiene, spuntini rotondi o di forma rettangolare, ovini bigusto e golose barrette di cioccolato primeggiavano fra i peccati di gola fuori pasto.

Tutt'oggi, nei supermercati, larga parte dei dolciumi-icona degli anni 80 continua a riempire i ripiani degli scaffali: il buondì, lo yoyo e la girella Motta, così come i muffin e le ciambelle Mr. Day, non hanno infatti mai smesso di accompagnare spuntini e prime colazioni; il tegolino Mulino Bianco (originariamente quadrato e composto da 4 strati, ora rettangolare a tre piani) resta uno dei dolcetti più gettonati; saccottini e crostatine, datati 1985, fanno ancora gola a oltre 20 anni di distanza, mentre camille e plum cake, proposti a partire dal 1989, sono sempre i benvenuti nelle dispense dei più attenti alla linea.

Fra i grandi assenti ormai fuori produzione di casa Mulino Bianco è invece doveroso ricordare il soldino, un trancio di pan di spagna ricoperto di cioccolato e sormontato da una ghiottissima monetina anch’essa a base di cacao, e il trascurato (nondimeno piacevole e invitante) tortino alla mela.

Ma qual’era, oltre al gusto, alla forma e alla confezione, il valore aggiunto che rendeva così appetibili pressochè tutte le linee di merendine di quel periodo? Risposta esatta: la sorpresina

Eh si, perché negli anni 80 quel che importa è sorprendere.
Le migliori? Impareggiabili quelle del Mulino Bianco: dalle fenomenali gommine colorate, con il loro profumo leggero e la scatola di cartoncino che ricorda quella dei fiammiferi di casa, fino ai chiassosi barattolini di latta contenenti piccoli giocattoli da costruire.
Memorabili e innumerevoli anche le collezioni di personaggi, i gadgets e le macchinine, racchiusi all’interno delle capsule gialle degli ovetti Kinder: difficile, del resto, non fare la felicità dei bambini con un po’ di cioccolato al latte e una sorpresa più o meno accattivante da montare.

Da non perdere alcuni siti dedicati all’esposizione e alla vendita di questi plastici regalini che hanno riempito i cassetti delle camerette di ciascuno di noi:

http://www.allegrocollezionista.it/italiano/show.asp

http://www.sorpresine.it/

http://www.collectionisland.com/collezionismo_sorpresine_kinder.htm

http://sorpresissime.blog.tiscali.it/

TETRIS: un pozzo di pezzi pazzi

2007-05-28T23:32:00.000+02:00

Chi avrebbe mai detto che un giorno qualcuno sarebbe riuscito a rendere divertente anche la geometria?
Eppure così è stato: ci ha pensato Alexey Pazhitnov, un giovane ricercatore russo dell’Accademia delle Scienze di Mosca che, nel 1985, ha messo a punto un semplice ma geniale videogioco ad incastro destinato a lasciare un segno indelebile nella storia degli arcade di tutti i tempi.
La grafica è pulita, minimale: sette figure geometriche di colori e forme differenti scendono a cascata dall’alto in basso, verso la base dello schermo.
Altrettanto chiaro è lo scopo: spostare e ruotare, ininterrottamente, i vari pezzi colorati, smaltendoli grazie agli incastri possibili finché non termina il livello di gioco e si passa a quello successivo.

Creando una riga orizzontale di blocchi senza interruzioni, infatti, i mattoncini spariscono in automatico e le figure sovrastanti cadono a formare linee nuove.
Semplice, coinvolgente, ricreativo.
E’ Tetris, orgoglio informatico di Madre Russia, uno dei passatempi di logica e ragionamento preferiti da larga parte dei bambini degli anni 80 (come dai loro genitori). E nonostante l'età ormai datata di questo rompicapo e il fiorire di nuove esperienze di gioco al limite estremo fra realtà e interattivo, il mercato dei videogames continua ancora oggi a riproporlo reinventandone il look per le console di ultima generazione.
Il suo sapore retrò e l'immediatezza della giocabilità, sapientemente abbinati alle più recenti possibilità grafiche, fanno di Tetris un evergreen che non smetterà mai di essere apprezzato.
Provare per credere:

http://giochi.alice.it/salagiochi/abilita/tetris/index.html#

http://www.flashgames.it/il.tetris.html

Do svidanija!

Con SANBITTER c'est plus facile

2007-05-25T10:50:00.000+02:00

La musica, lo stile e il look degli anni 80 tornano a farci sorridere grazie a Sanbitter.
Da qualche settimana è infatti comparso in tv il nuovo spot del celebre aperitivo analcolico che vede protagonista Jean Pierre, testimonial storico della Sanpellegrino Bitter, riproposto nelle vesti di leader di svariate band (pop, heavy metal, dance) di inequivocabile impronta 80’s.
I completi in stile “Blues brothers” e le tutine da perfette Jane Fonda, insieme al suono elettronico delle tastiere, ai ballettini approssimativamente sincronizzati e alle moine divertite delle vallette bicolore, garantiscono un risultato ineccepibile.
Per non parlare del testo. Neanche Jerry Calà avrebbe saputo fare di meglio:

Senza musica non c’è l’aperitivo
ma qui ognuno ha il suo gusto soggettivo
Io che sono Jean Pierre, risolvo con Sanbitter
Guarda sotto il tappo e vedi subito se hai vinto
Uno stereo a prestazioni per sAntire tre canzoni
In tre stanze differAnti per far tutti più contAnti
E se vien la portinér, offrile un Sanbitter!
Con Sanbitter c’est plus Facile!

Geniale. Irresistibile. Praticamente più anni 80 degli anni 80 stessi, al confine fra parodia e realtà.
Un meritatissimo inchino all’agenzia di Armando Testa, che si è occupata della creazione e dello sviluppo di questo mitico spot, e alla stylist Diamante Cavalli, che ha curato con bravura entusiasmante il mood tipicamente anni ’80 dei costumi di scena.
Perché “con Sanbitter c’est plus facile!”:

http://www.youtube.com/watch?v=Ne6edI9qZMk

SUPER VICKY: una sorellina elettronica che dorme nell’armadio a muro

2007-05-24T16:57:00.022+02:00

Una spruzzata di lentiggini sulle gote, capelli castano-ramati raccolti in un solenne fiocco rosso e un abitino a frappe e pois che è il sogno di tutte le colf: she’s a “Small Wonder”, altrimenti conosciuta come “Super Viky”, il disciplinatissimo robottino domestico di casa Lawson comparso per la prima volta sui teleschermi statunitensi nel 1985 e magistralmente interpretato da Tiffany Brissette.

Figlia “sintetica” dell’ingegnere elettronico Ted (Dick Christie), ideatore di questo cyborg con le fattezze di una bambina di 10 anni, e Joan (Marla Pennington), classica casalinga americana bionda e cotonata con la battuta facile, la piccola Viky, oltre ad essere un androide efficiente e disponibile, si rivela subito una bambina amorevole e piena di attenzioni. Ne sa qualcosa Jamie (Jerry Supiran), il fratellino in (molta) carne e ossa, che non perde occasione di farsi aiutare dalla wonder-sorella per sbrigare in pochi attimi i compiti di scuola o risistemare la cameretta in un baleno.

Figlia/sorella/governante/elettrodomestico irrinunciabile nella vita della famiglia Lawson, Ted, Joan e Jamie si ripromettono di mantenere segreta la natura robotica di Vicky, ma la forza sovraumana della bimba, i suoi movimenti scattosi e la cadenza monocorde della voce sollevano qualche sospetto sulla sua vera identità: non ci vedono chiaro i vicini di casa, un’allegra famigliola di ficcanaso rincretiniti il cui spirito invadente è ben riepilogato dalla figlia Harriet, l’antipaticissima (e per questo adorabile) bambina coi codini, innamorata di Jamie e sospettosa di Vicky.

Curiosità:

- Di questa serie sperimentale, prodotta con un budget molto esiguo ma campionessa di grandi ascolti, furono girati in tutto 96 episodi per un totale di 4 stagioni andate in onda tra il 1985 e il 1989.

- Dopo la sua fine si prese in considerazione l’idea della creazione di un alter-ego della protagonista, nel tentativo di dare vita a uno spin-off incentrato sul personaggio di Vanessa, un robot con le stesse capacità di Vicky ma dall’animo perfido. La proposta fu poi accantonata per mancanza di fondi.

- Vi state chiedendo che fine abbiano fatto i gloriosi interpreti di questo telefilm?
Tiffany Brissette, oggi poco più che trentenne, si è ritirata dalla scene nel 1990 e, dopo essersi laureata in psicologia, ha iniziato a lavorare in una comunità di recupero per bambini emotivamente labili.

- Jerry Supiran, oggi trentaquattrenne, dopo alcune piccole partecipazioni ad altre serie televisive, ha prematuramente concluso la sua carriera d’attore pur avendo continuato a lavorare nel mondo dello spettacolo come pianista e cantante in un gruppo di vocalist americani piuttosto noto negli States. Da sfatare - una volta per tutte - la leggenda metropolitana, diffusasi qualche anno fa, secondo la quale Jerry Supiran e William Patrck Corgan, l’interprete degli Smashing Pumpkins, sarebbero la stessa persona: oltre ad avere nomi evidentemente diversi, infatti, non coincidono neppure le date di nascita (1973 il primo, 1967 il secondo).

- Dick Christie ha abbandonato la scena televisiva nel 1999 per dedicarsi esclusivamente alla sua passione teatrale. Oggi ha 58 anni.

- Marla Pennington, splendida cinquantatreenne, dopo la chiusura della sitcom ha riposto i panni di attrice televisiva e teatrale per indossare quelli di conduttrice di una trasmissione culinaria simile alla nostra “Prova del cuoco”, su un’emittente locale americana. Ha inoltre recitato in alcuni spot pubblicitari e scritto qualche libro di cucina.

- Emily Shulman, infine, anch’essa trentenne, ha deciso di occuparsi esclusivamente della recitazione ed è diventata, oltre che attrice, anche agente teatrale.

Ed ecco a voi un'immagine recente della Tiffany Brissette di oggi, estremamente naturale e sorridente come il suo alterego Vicky non ci avrebbe mai fatto immaginare:

SuperClassifica Show e il suo "gatto sul tetto che ascolta, con la faccia a tv"

2007-05-23T10:18:00.000+02:00

SuperClassifica Show, debuttata nel ’78 su TeleMilano e poi passata su Canale 5 dal 1981 al 1995, può essere ragionevolmente considerata la madre di tutte le trasmissioni musicali italiane.
Suo ideatore e conduttore è Maurizio Seymandi, meteora degli anni 70 e 80 che realizza, con questo varietà musicale di grande fama, un programma settimanale di informazione sulle classifiche di vendita dei dischi (prima in vinile, poi su CD).
Vero idolo dello show è Oscar, uno spassosissimo gatto ciccione fasciato in una tutina da super eroe, protagonista dell’indimenticabile sigla realizzata a mo’ di cartone animato (http://www.youtube.com/watch?v=Vo5oW6BYciA).
A presentare la classifica dei 45 e 33 giri più venduti della settimana c’è, invece, DJ Super X (quello di “E ora restituisco la linea a Maurizio Seymandi”), volto dai tratti femminili ottenuto con una palla da discoteca corredata di cuffie e microfono.

Voci non confermate sostengono che il viso in questione sia quello dell’allora ventenne Federica Panicucci.
La voce del Dj, che è la stessa del Supertelegattone, appartiene invece a Franco Rosi (nella foto accanto), imitatore non troppo affermato nonché doppiatore del Discolaccio, la prima mascotte di Canale 5.
All’interno del programma, trasmesso tutte le domeniche all’ora di pranzo in stretta collaborazione con la rivista TV Sorrisi & Canzoni, vengono proposte anche interviste faccia a faccia con i cantanti del momento, ospitati in studio.
Il 19 marzo del 1995, dopo ben 900 puntate, arriva tristemente il giorno della sua chiusura.

Scomparsa la “Classifica” e terminato lo “Show”, a rimanere è soltanto il “Super”: è questo, infatti, il titolo del nuovo spettacolo musicale ideato sulla falsa riga del suo predecessore e condotto da Jerry Scotti per cinque anni, fino al 2000.

FANTASMI, CHE PASSIONE!

2007-05-19T15:41:00.000+02:00

New York, anno 1984. Peter (Bill Murray), Ray (Dan Aykroyd) ed Egon (Harold Ramis) sono tre professori di parapsicologia sulle tracce di fondamenti scientifici ai fenonemi extrasensoriali.

Allontanati in malo modo dal rettore della facoltà, i tre ricercatori, ostinati a proseguire le proprie indagini sul mondo dell’invisibile, si impegnano, ipotecando la casa di Ray, a racimolare qualche migliaio di dollari per acquistare un palazzo del centro (una vecchia caserma dei vigili del fuoco) e farne la propria base operativa: inizia in questo modo l'avventura degli acchiappafantasmi.
Temerari, efficienti e buontemponi, i ghostbusters sono pronti a fare piazza pulita delle creature maligne che affollano i grattacieli della Big Apple sfrecciando per le strade affollate di Manhattan a bordo della loro auto bianca super accessoriata.

Alleato indispensabile nella lotta contro i pericolosi mostri trasparenti è uno zainetto anti-ectoplasma (con annessi fucile e trappola per la cattura degli spiriti) di cui ciascun acchiappafantasma è attrezzato.

Ma l’impresa di disinfestazione spiritica richiederà più forze ed energie previsto, ed è per questo che Peter, Ray ed Egon, oltre ad assumere
Janine (Annie Potts), un'efficiente quanto bacchettona segretaria,
accoglieranno ben presto nella propria squadra il quarto ed ultimo membro: si tratta di Winston Zeddemore (interpretato da Ernie Hudson).

Simpaticissima e golosissima mascotte del gruppo, il fantasmino verde Slimer, un vero e proprio pozzo senza fondo di affetto e voracità.

Spietati e disumani, i nemici che la squadra si troverà ad affrontare sono, in ordine di apparizione, Gozer (lo zombie sui tacchi a spillo), il Distruggitore (una sorta di copia riveduta e corretta dell’omino Michelin) e infine Vico, il terribile demone dipinto in un quadro che i quattro acchiappafantasmi combatteranno nel seguito del primo film (Ghostbusters 2, del 1989).

Il successo di queste due pellicole è travolgente, uno dei più clamorosi di tutti gli anni ’80.
Testimone della “Ghostbusters mania” è anche il boom di vendite ottenuto della canzone omonima, interpretata da Ray Parker Jr. e rimasta al primo posto delle classifiche per ben tre settimane di seguito. Oltre ai film e alla relativa colonna sonora, raccolgono grandi consensi anche il cartone animato ideato sulla falsa riga della versione cinematografica, il videogioco per Commodore 64 e la mitica linea di personaggi, autentica pietra miliare nella storia delle action figures di quel periodo.

Per finire, eccovi un nostalgico collage casalingo che ritrae i nostri beniamini così com'erano ai tempi d'oro e, accanto, come sono oggi. Who ya gonna call? GHOSTBUSTERS!